Un Casco Hace Música Con Tus Ondas Cerebrales

La artista londinense Aiste Noreikaite se ha inspirado en prácticas de meditación budista para crear un casco que permite hacer música con las ondas cerebrales. El casco utiliza la electroencefalografía (grabación de la actividad eléctrica del cerebro) para traducir los procesos neuronales en sonido, todo ello a tiempo real, creando un "reflejo sonoro de la experiencia personal en un momento determinado".

"He programado las frequencias sonoras con una pequeña diferencia de izquierda a derecha, para que de este modo, al ser escuchadas simultaneamente, produzcan una tercera frecuencia que pueda ser escuchada dentro de nuestras cabezas. El usuario escucha el sonido generado por sus propias ondas cerebrales. Las ondas cerebrales se reconocen en ese sonido y reaccionan de manera positiva, entonces esto es loopeado de nuevo una y otra vez".

El sonido producido por el casco es más agudo cuanto más claro sea el estado mental del usuario. Por el contrario será más rápido y rítmico cuanto más centrada esté la mente en un tema en particular. De acuerdo a Noreikaite puede que el casco tenga algún beneficio para la salud del usuario. Muchos de los que lo han probado afirman sentirse mejor tras su uso.

Debajo tienes un vídeo en el que se ve al público probando el invento durante su exhibición en la galería del Hotel Elephant de Londres.

Fuente: http://www.clubbingspain.com/noticias/2015/un-casco-hace-musica-con-tus-ondas-cerebrales.html

Científicos Españoles Demuestran Que Toda La Música Actual Tiende A Sonar Igual

       Investigadores del CSIC han analizado 464.411 canciones de entre 1955 y 2010. Han llegado a la conclusión de que la música actual es cada vez más previsible y tiende a ser cada vez más homogénea y con menos sonoridades. De acuerdo a los parámetros analizados, las transiciones entre los grupos de notas han disminuido de forma continua durante los últimos 55 años.

La música actual es cada vez más previsible y tiende a ser cada vez más homogénea y con menos sonoridades, según concluye una investigación del Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC), que publica el último número de la revista Scientific Reports. Así, investigadores del CSIC han analizado, en uno de los apartados del estudio, 464.411 canciones de entre 1955 y 2010 y han detectado que las canciones compuestas en las décadas más recientes tienden a parecerse más entre ellas que las antiguas. Además, de acuerdo a los parámetros analizados, las transiciones entre los grupos de notas han disminuido de forma continua durante los últimos 55 años. Para el director del trabajo e investigador del Instituto de Investigación en Inteligencia Artificial del CSIC Joan Serrá, estos parámetros musicales en las canciones son como las palabras de un texto. En este sentido, añade que han observado que, cada vez hay menos palabras diferentes. En los 60, grupos como Pink Floyd experimentaban mucho más con la sonoridad que ahora Según la investigación, dada una nota musical, es "relativamente más fácil" predecir cuál será la siguiente en una canción actual y las composiciones musicales más recientes también presentan una menor diversidad de timbres y tienden a interpretarse con los mismos instrumentos. "En la década de los 60, por ejemplo, grupos como Pink Floyd experimentaban mucho más con la sonoridad que ahora", ha destacado. Asimismo, ha añadido que otra de las tendencias es el aumento paulatino del volumen intrínseco al que se graban las canciones. El volumen es independiente del que cada usuario puede seleccionar para reproducirlas posteriormente. De este modo, Serrá subraya que hasta ahora este efecto "largamente comentado" no se había podido comprobar empíricamente a gran escala y añade que los resultados de la investigación ofrecen, por tanto "una receta teórica para crear canciones que suenen modernas y actuales". "Los cambios de acordes sencillos, los instrumentos comunes y el volumen fuerte son los ingredientes de la música actual, realizar estos cambios sobre canciones antiguas puede hacer que suenen a nuevas", ha agregado. El investigador valora que este proceso de homogeneización podría deberse a las modas, ya que se observa una tendencia a engancharse a la música de la corriente dominante. Para la investigación se han analizado cerca de medio millón de piezas musicales procedentes de una base de datos pública que incluye más de un millón de canciones publicadas entre 1955 y 2010, elaborada por la Universidad de Columbia (EE UU). Estas obras son de distintos estilos como rock, pop, hip hop, metal y electrónica. Por otro lado, Serrá ha explicado que puesto que una canción dura de media unos cuatro minutos y un experto, si quiere anotar los parámetros del interés para el estudio, necesita de un mínimo de cuatro escuchas, la investigación hubiera requerido 16 años de escucha, 365 días al año, 24 horas al día. Sin embargo los ordenadores han permitido escuchar música de una manera que los humanos "simplemente" no pueden. El trabajo ha contado con la colaboración de investigadores del Centro de Estudios Matemáticos de Bellaterra, y de las universidades de Barcelona y Pompeu Fabra.

Fuente: http://www.20minutos.es/noticia/1550475/0/musica-pop/csic/sonido/

Una Nueva Versión De "Stay With Me" De Sam Smith Compuesta Con Frecuencias Perceptibles Para Sordos

Imágenes vía
El compositor holandés Kyteman, en colaboración con una joven sorda de 19 años llamada Vera van Dijk, ha compuesto un tema utilizando únicamente frecuencias que son perceptibles mediante un implante coclear, un dispositivo que permite a las personas sordas disfrutar de una capacidad de oída limitada. Van Dijk recibió hace poco uno de estos implantes, lo que le abrió un nuevo mundo de posibilidades profesionales y personales, incluyendo la oportunidad de participar en un concierto especialmente diseñado.
Durante dos sesiones de estudio que sirvieron como prueba, Kyteman y sus compañeros de grupo tocaron música a diferencias frecuencias y volúmenes, siempre consultando a Dijk si podía escuchar o no lo que estaban tocando. Una vez hubieron recopilado todos los datos, compusieron una versión de "Stay With Me" de Sam Smith utilizando solo las notas que Dijk había aprobado en las sesiones de estudio. El resultado fue un concierto en vivo interpretado para 400 personas, el primero en el que van Dijk pudo por fin participar de principio a fin.
La experiencia fue complementada con un videochat vía móvil con su hermano, cuyos labios leyó para poder entender la letra de la canción. "Fue definitivamente un reto adaptar la canción para Vera", Kyteman dijo a The Daily Mail, "pero cuando la vi disfrutar en cada momento durante el concierto, supe que habíamos cumplido nuestra misión".
A continuación, te dejamos con unas cuantas fotos del proceso de composición y con un pequeño documental sobre el proyecto, pasa directamente al minuto 5:07 si quieres ver las imágenes del concierto entero.

Si quieres ver el vídeo ir al enlace al final del post







Fuente: http://thecreatorsproject.vice.com/es/blog/una-nueva-versin-de-stay-with-me-de-sam-smith-compuesta-con-frecuencias-perceptibles-para-sordos?utm_source=vicefbes

Clubcast: DJs En Streaming Para Clubs

Esto de los Dj's sigue con su engaño que desde mitad de los 90 se empezo a popularizar, el ser moderno y engañar creo que para vez es mas parte de lo mismo, en cualquier ambito de la misma aqui un a prueba de un modelo de empresa llevado al mundo de los dj's lo importante es vender el producto a costa de todo.

Tommy Trash pinchando en streaming para un evento Clubcast en Motebello.

 

Mixify es una empresa neoyorquina que se ha hecho popular ofreciendo streamings en directo de actuaciones de importantes DJs, especialmente DJs pertenecientes al movimiento mainstream conocido como EDM. Desde 2012, la empresa ha realizado streamings de audio, de vídeo y "visual streamings" (una retransmisión de audio con efectos visuales sincronizados), combinados con chats en los que los fans interactúan con los DJs. La popularidad de la empresa no ha parado de crecer gracias a la explosión del sonido EDM en EEUU, algo que les ha permitido obtener unos cuantos inversores (fondos de capital y DJs populares como Tommy Trash han apostado fuerte) para dar el siguiente paso y ofrecer un nuevo servicio llamado Clubcast, que permite que los responsables de la programación de los clubs, en lugar de contratar a un popular DJ para actuar en persona en su club, contraten una retransmisión en directo exclusiva del DJ. 
Clubcast asegura un streaming con imagen y son
ido de alta calidad "en dos direcciones", lo cual se refiere a que el el público ve al DJ en su cabina en una pantalla gigante, mientras el DJ ve al público también en una pantalla para poder observar sus reacciones y decidir el rumbo de su sesión. Evidentemente estos streamings para clubs son muchísimo más baratos que la contratación del DJ "en persona", lo cual permite que cualquier club pueda contar con la "presencia" (por llamarlo de alguna manera) de cualquier DJ, aunque sea un club de presupuesto modesto. Mixify no solo ofrece el streaming, se encarga de todo el proceso de contratación del DJ, promoción y producción del evento.
http://www.youtube.com/watch?v=16TeNKgMBWg&feature=player_embedded


Fuente: http://www.hispasonic.com/noticias/clubcast-djs-streaming-para-clubs/39367

¿Es El EDM Lo Peor Que Le Ha Pasado A La Música En Su Historia?

En los últimos años el EDM (Electronic Dance Music) se ha convertido en el género más popular de la música electrónica, llenando estadios en diferentes ciudades de mundo, donde decenas de miles de jóvenes entran en un eufórico frenesí esperando que el DJ tire el bajo y los eleve a la demencia colectiva. DJs y productores como Tiesto, David Guetta, Steve Aoki, Skrillex, Swedish House Mafia o Avicii se han convertido en estrellas mundiales que cobran al nivel de los más grandes popstars. Su música puede oírse en los temas para el dancefloor de Madonna, Rihanna, Pitbull o Paris Hilton (quien inspirada en estos también es DJ).

No es exagerado preguntar, como hace Drew Ressler en el blog Disco Demons, si el EDM es lo peor que le ha pasado a la música electrónica. Y quizás, junto con el reggaeton, una de las cosas más pobres que le ha pasado a la música en general, conjurando sensaciones de euforia banal que hacen de los fanáticos una especie de autómatas programados por una fórmula primitiva: ravers pavlovianos salivando por la campana del “DROP”. Al menos esta es la impresión que dejan muchas de estas sesiones multitudinarias de EDM –aunque, como siempre, existen excepciones.

Lo que resulta un poco preocupante es que el EDM antes era un término más amplio en el que cabía todo tipo de música electrónica (como el nombre claramente lo indica): techno, house, trance, dubstep, drum & bass  y otros. Pero actualmente el término se ha convertido en un genérico, abarcando todo tipo de subgéneros como si fuera el tronco central de la electrónica y haciendo que muchas personas piensen inmediatamente en uno de los DJs antes mencionados cuando se habla de música electrónica o de música dance. Esto deja mal parada a la música electrónica. 

El EDM se caracteriza por melodías simples y pegajosas con vocales que rápidamente se pueden cantar una vez que se escuchan, sintetizadores sucios o arenosos, un poco de white noise y generalmente un drop: el clímax que revienta cuando se deja “caer” el bajo. La primera parte de esta definición es muy similar a lo que todos conocemos vagamente como “la música pop”, la música producida con un fin comercial, generalmente por grandes disqueras que  fabrican a los “artistas” como la imagen cosmética para dar a conocer la música. Los artistas y la música forman un ensamble estratégico –según estudios de mercado, tendencias de consumo y fórmulas preestablecidad de manufactura del sonido– para ser del agrado de la masas, apelando a emociones básicas en sus aspectos menos sutiles (casi como una forma de hipnosis masiva). El EDM ha sido descrito como “predecible”, “robótico” y “cheesy” (un término que hace referencia a las emociones baratas que genera la música con una pseudo-épica).

Los DJs son considerados estrellas con personalidades de rock star, exigiendo enormes cantidades de dinero para tocar los botones, y montando espectáculos llenos de pirotecnia orientados a producir un efecto de euforia como si se tratara de un rollercoaster o de un blockbuster hollywoodense. Un ejemplo hiperbólico de la escena del EDM es la genial parodia que realizó Andy Samberg en el programa de comedia Saturday Night Live, este sábado pasado. Samberg aparece como el DJ Davvinci (spoof de Avicci), un mercenario de la música dance que cobra un botín (incluso pasando su terminal para exprimir hasta el último centavo), y aguantando hasta el último momento el apoteótico DROP: punto en el que los fácilmente impresionables fanáticos estallan como zombies en la pista. Y todavía jactándose: ESTO SÍ ES MÚSICA.

Lo más lamentable del EDM es que, al supuestamente ser representativo de la música electrónica para bailar, en ocasiones puede actuar como una reja que hace más difícil que nuevas generaciones encuentren artistas con propuestas verdaderamente interesantes y auténticas –o que valiosos artistas no logren consolidarse si su música no es muy compatible con los estadios o las discotecas de miles de personas en Ibiza y las estrategias de mercado. En cierto sentido el EDM ha transformado la percepción que se tiene de la música electrónica, de facto convirtiéndola en la nueva música pop (con un poco de conspiranoia podríamos hasta pensar que es música creada para mantener a la población consumiendo realidades de baja vibración). Detrás del EDM (y de lo que era antes el Eurodance y el Eurotrash) yace un rico caudal de sonidos menos complacientes, ligados a distintas realidades y a formas más inteligentes de experimentar la vida nocturna y la comunión a tribal del sonido. En cierta forma es lógico que la música electrónica genuina se vea relagada y marginada del “mainstream” para así librarse de ser cooptada por la estupefacción de las multitudes y el marketing. De cualquier forma, hoy en día existe cada vez más música y mucha de ella muy buena: es necesario buscar más allá de los billboards, de los conciertos de Ocesa, de los videos de MTV, de las reseñas Rolling Stone e incluso a veces aventurarnos más allá de Pitchfork.

Ya sea que te guste más el techno, el house, el minimal, el dubstep, el psychedelic trance, el ambient, el IDM (la versión más inteligente del EDM) o cualquier otro género te invitamos a explorar un poco más profundo en el amplio salón de la música electrónica. El EDM, aunque parece comerse el mundo en estos momentos, seguramente perecerá en algunos años. La música electrónica, sin embargo, vivirá mucho tiempo más y seguirá desarrollando a algunos de los artistas más refinados e importantes de la historia musical.

Fuente: http://pijamasurf.com/2014/05/es-el-edm-lo-peor-que-le-ha-pasado-a-la-musica-en-su-historia/

¿Qué Nos Hace Bailar? El Groove Entra Al Laboratorio

La pregunta no es sobre el sentido del baile (ritual, convivencia, entretenimiento, seducción, etc.), sino por qué existen ritmos que nos apelan y hacen bailar mientras que otros pasan de largo casi sin rozarnos.

Hay ritmos que te ponen a bailar y hay otros que te dejan completamente indiferente. ¿Por qué? La respuesta es compleja y depende de muchos factores: educación musical, gusto por el baile y hábitos sociales. Pero un nuevo estudio de Maria Witek, estudiante postdoctoral de la Universidad de Aarhus, revela que entre un repetitivo “punchis-punchis” y un complejo groove existe un punto medio de preferencias.

Los participantes del estudio tomaron una encuesta en línea donde debían evaluar 50 líneas rítmicas de percusión, con diferentes grados de síncopa. Evaluaron cada ritmo en dos categorías: cuánto placer les daba escucharla y cuántas ganas les daban de bailar (categoría a la que el estudio se refiere como “experiencia relacionada al groove.”)

Al graficar los resultados, los investigadores descubrieron que los ritmos demasiado simples le parecieron aburridos a los participantes, mientras que los ritmos demasiado complejos los abrumaban. ¿En qué consiste la mezcla perfecta? En su capacidad de inducción, una propiedad descrita como el deseo de sincronizarse con algo, y que aparece cuando existe “algo de resistencia estructural contra el pulso regular en el material musical”, según Witek.

Esto quiere decir que la música (o al menos un beat musical) nos gusta o no en la medida en que nos propone un reto: en que nos invita a seguirla a la vez que nos pone algunos obstáculos. La medida de inducción difiere según quién escucha, pero el placer del ritmo proviene en buena medida de un deseo satisfecho de sincronizarnos y responder a esa invitación. 

Fuente: http://pijamasurf.com/2014/04/que-nos-hace-bailar-el-groove-entra-al-laboratorio/

 

10 Canciones Que Van Sobre Drogas (Pero Posiblemente Ni Te Lo Imaginabas)

Parece que te están hablando de un día perfecto, o de la mujer de sus sueños, pero en realidad quieren decir pastillas y cocaína. El pop está lleno de mensajes ocultos, ahí van unos cuantos

¿Por qué lo llaman amor cuando quieren decir caballo? ¿Por qué nos cuelan un día maravilloso y soleado en vez de decirnos que están flotando en el espacio gracias a una pastilla mágica o una gota de lisergia? El pop está lleno de mensajes ocultos. Muchas canciones hablan de drogas cuando parece que quieren decirnos otra cosa. Podríamos detectar hasta 10.000, pero por ahora nos quedamos con 10: una clásica, una pillada por los pelos (vamos, que no, pero mola), y ocho más que rotundamente sí.

The Beatles: “Lucy in the Sky with Diamonds”

Bueno, de acuerdo. La referencia al LSD en el título de este himno psicodélico de McCartney y Lennon está ampliamente documentado, teorizado y compartido, pero es de justicia iniciar una lista de este cariz con la canción que probablemente mejor ejemplifique la criptodrogofilia en la música popular. En la época en la que The Beatles iban y venían de la India como quien bajaba a por tabaco y se tomaban unas gotas epopéyicas, esta canción se coló en el “Sgt. Pepper’s” con código cifrado. Apología del trip.


Carly Rae Jepsen: “Calle Me Maybe”
De acuerdo también, un poco pillada por los pelos. Pero sería muy atrevido hacer una lectura de “Call Me Maybe” como si fuera el “Waiting for the Man” de la Velvet en clave ultrapop, y que lo que en la superficie parece un encuentro cachondo en la noche entre una muchacha mona y un guaperas de playa, sea en realidad una transacción encubierta de maría y perico en un rincón de los suburbios. “I trade my soul for a wish / Pennies and dimes for a kiss / I wasn't looking for this / But now you're in my way” (...) “Hey I just met you / And this is crazy / But here's my number / So call me maybe”. Muy arriesgado, pero donde hay un maromo, igual también hay un camello.


MGMT: “Time To Pretend”
En apariencia, y gracias a ese estribillo saltarín, “Time to Pretend” parece un himno a la vida, a viajar a ciudades lejanas, tirarse a las nativas en un colchón sucio de pensión de barrio bohemio, beber en terrazas y dormir poco. Codifica el estilo de vida de la ‘Easyjet Set’, ahora en declive porque los billetes de avión ya no son tan baratos y los sueldos ya no son tan altos (o directamente no son). Pero en la letra de MGMT hay dos referencias que no se tienen muy en cuenta y son muy importantes. La primera es directa y a la encía: “I'll move to Paris, shoot some heroin, and fuck with the stars. / You man the island and the cocaine and the elegant cars”. Pero como luego habla de otras cosas, parece como si drogarse fuera parte de la atracción, un entrante en el menú. Pero ojo al final: “We'll choke on our vomit and that will be the end / We were fated to pretend”. O sea, que sí, que va de ponerse como Las Grecas y acabar como Bon Scott.


The La’s: “There She Goes”
Uno de los grandes himnos indies, una de las maravillas -desconocida por la mayoría, pero disfrutada por la minoría selecta que compra discos e investiga más allá de los cuatro grupos canónicos- que nos ha dado el pop inglés. Y aparentemente es una canción de admiración a una mujer que codifica en su pelo, sus ojos y sus senos la totalidad del universo como un aleph. Lo que ocurre es que la letra tiene un verso particularmente conflictivo que la banda siempre ha negado que vaya sobre drogas, pero que tiene toda la pinta de que está ahí para romper la baraja: “Racing through my brain, pulsing through my vein”. O sea, la heroína es en polvo, no en capa y antifaz.


Blur: “Beetlebum”
En la época en que Blur escribieron “Beetlebum” empezaban a suceder cosas raras. El grupo parecía a punto de descomponerse a causa del éxito, y recordarán los fans que Damon Albarn fue a refugiarse a Islandia, cuando el país todavía no era tan cool como ahora. Incluso montó un bar (que ya no existe). La explicación oficial fue una crisis de estrés tras su ruptura con Justin Frischmann (Elastica) y al exceso de trabajo, pero hubo drogas de por medio, muchas drogas, y “Beetlebum” fue el primer testamento secreto que resumía aquella etapa de adicciones. La expresión “chasing the beetle” es una deformación de “chasing the dragon” (perseguir al dragón), que es como se denominaba en los primeros antros de opio al acto de inhalar el vapor de la heroína cuando se fumaba.


Fleetwood Mac: “Gold Dust Woman”
Una gran parte de la carrera de Fleetwood Mac está marcada por la cocaína. Siempre se ha dicho que el sonido pulcro y perfeccionista de las grabaciones de rock adulto de la época estaba determinado por el abuso, tanto entre los músicos como los demás estamentos de la industria musical, de una cocaína excelente que, con su pureza, aguzaba ciertos sentidos y afectaba a la manía obsesiva. De ahí la nitidez en las grabaciones, la atención al detalle mínimo, de ahí lo mejor de Fleetwood Mac, Y en el álbum “Rumours” aparece “Gold Dust Woman”, que es toda una oda a la coca en versión metafórica e inyectada, como sólo los más yonquis saben hacer, con su estuchito para guardar la aguja y todo. “Take your silver spoon and dig your grave”. Esto no es caballo, amigas. Esto es boliviana en vena.


Elton John: “Tiny Dancer”
Cuando Elton John decidió desvelar sus dos mayores secretos -uno era su calvicie, que ya sospechábamos debajo de esos peluquines dignos de El Dioni, y el otro era su adicción feroz a la cocaína-, supimos de cosas que vosotros, humanos, no creeríais: fiestas en suites de hotel que acababan en bajonas solitarias dignas del mejor Julio Alberto, bandejas de plata cubiertas de nieve del Nepal, billetes de 1000 dólares enrollados de manera tan perfecta como el cilindro marrón del papel higiénico. Elton tenía unas fosas más profundas que las Marianas, un doble platino en la nariz que no lo superaba ni Frank Sinatra, una sangre más espesa que la de Sven Väth. Y de entre sus canciones simuladas sobre el alpiste, “Tiny Dancer”: “And now she's in me, always with me, tiny dancer in my hand”. Como gay del ala dura que es, Elton no podía hablar de una chica pequeña, blanca y delicada, sino de una papela que iba a meterse en generosas lonchas acto seguido.


D’Angelo: “Brown Sugar”
Hace 14 años ya que no sabemos nada de D’Angelo. Sabemos que sigue vivo, que quiere volver a grabar, que supuestamente tiene nuevo álbum en camino, pero su última referencia sigue siendo el inconmensurable “Voodoo” (2000). Y antes de eso, tuvo su primer hit con “Brown Sugar”, una canción enmascarada con referencias sexuales propias de un negrazo con planta de follador que nos quiso convencer de que el azúcar moreno era una jaca jerezana de piel zaína y sabor dulce que le ponía la entrepierna como el troncho de una lechuga. Pero no, era todo más textual de lo que parecía: “Brown Sugar” va de lo que va, que es de la heroína. Estaba todo claro al principio y nos quiso liar.


Nirvana: “Come as You Are”
No iremos a descubrir aquí la dependencia de la heroína que tenía Kurt Cobain ni tampoco la manera críptica que tenía de escribir sus letras. Nunca se sabe exactamente qué está diciendo, aunque sí intuímos que es un despliegue metafórico (y a veces alegórico) de sus demonios interiores. El sufrimiento es la clave, pero sobre todo el sufrimiento derivado de las adicciones. “Come As You Are” puede ser una canción de amistad, incluso de amor, o de aceptación de las circunstancias, pero en realidad es una canción sobre el chute y el subidón, sobre los efectos del viaje: “Come / As you are / As you were / As I want you to be / As a friend / As a friend / As an old enemy / Take your time / Hurry up”. Si no lo es, lo parece.


New Order: “True Faith”
Parece una canción sobre una felicidad inabarcable, pero ojo con este verso: “My morning sun is the drug that brings me near”. La luz solar del domingo es necesaria en esta vida sólo si se practica la fotosíntesis y tienes unas raíces bien arraigadas en tierra, pero estamos hablando de unos New Order en pleno subidón de éxito y éxtasis, y aquí hay algo más. La letra es fácilmente interpretable en clave de pastis y buenri, como denota el comienzo: “I feel so extraordinary / Something's got a hold on me / I get this feeling I'm in motion / A sudden sense of liberty / I don't care 'cause I'm not there / And I don't care if I'm here tomorrow”. Aquí huele a clubbing, máxime cuando se sabe que New Order descubrieron el MDMA en Nueva York alrededor del año 1983, cuando fueron a grabar con Arthur Baker, que era otro legendario drogota del downtown.


Fuente: https://www.blogger.com/blogger.g?blogID=3210926543711077603#editor/target=post;postID=8412239983293971552

Un Estudio Describe Stonehenge Como Un Centro De Instrumentos Musicales De Piedra

Según un estudio reciente, el conjunto megalítico de Stonehenge pudo haber sido sido un centro musical, pues sus bloques de piedra suenan como un xilófono gigante, algo que podría explicar el traslado de piedras para su construcción desde lejos.

Los sonidos producidos por las piedras, conocidas como litófonos, pueden variar emulando sonidos de metal y hasta la resonancia de la madera. Expertos británicos han comprobado que los monolitos llamados 'Piedras azules' de Stonhenge son litófonos cuando se las 'toca' con martillos de piedra.

Los investigadores conjeturan que las piedras de la zona de Mynydd Y Preseli, de donde provienen las 'Piedras azules' de Stonhenge, tienen estas características acústicas especiales, algo que explicaría las numerosas construcciones neolíticas en la zona.

A pesar de que las propiedades acústicas de Stonhenge pudieron quedar dañadas por el concreto con que fueron cubiertas las piedras durante las obras de restauración en la década de los 50, los expertos lograron grabar ruidos, que -según ellos- suenan como campanas, percusiones y gongs.

También encontraron evidencias de que algunas piedras ya habían sido 'golpeadas' antes, es decir, que posiblemente pudieron ser usadas como un instrumento musical. Las distintas partes de diferentes de piedras suenan de manera distinta, convirtiéndose en una especie de 'xilófono'.

De acuerdo con ellos, los ruidos emitidos por otros litófonos en la zona pueden oírse desde lejos, así que pudieron ser usadas como medio de comunicación en tiempos remotos o en rituales. Algunas piedras similares eran usadas como campanas hasta el siglo XVIII en áreas cercanas.
 
Según los arqueólogos, es probable que ésta sea la razón por la cual los constructores prehistóricos de Stonehenge transportaron los monolitos desde Preseli, a 200 kilómetros de la construcción, a pesar de que en la zona donde se ubica Stonhenge hay suficientes piedras para la construcción

El Remix En El Derecho De Propiedad Intelectual

Este artículo se corresponde con la serie de especiales de Clubbingspain.com destinados al derecho de propiedad intelectual en el ámbito de la música electrónica. Esta iniciativa tiene por objeto dar a conocer, desde una perspectiva didáctica, los aspectos más relevantes de los derechos de autor, y de los derechos conexos a los de autor, dentro de nuestro sector. El redactor de estas publicaciones es Álvaro Díez, abogado especializado en la industria musical, y buen entendido de la escena electrónica, quien comparte con nosotros su experiencia y conocimientos profesionales.

Las canciones creadas a partir de obras preexistentes tienen en muchas ocasiones más repercusión mediática y comercial que la propia obra originaria en la que se basan, es decir, un buen remezclador puede corresponderse con una pieza clave para un autor, editor o sello discográfico en el lanzamiento de un EP. ¿Están reguladas este tipo de versiones en la ley española? El artículo 11 de la Ley de Propiedad Intelectual (en adelante la llamaré LPI), que hace referencia a las así llamadas obras derivadas, establece lo siguiente en su punto 4º: “Sin perjuicio de los derechos de autor sobre la obra original, también son objeto de propiedad intelectual los arreglos musicales”. Si bien desde un punto de vista semántico un remix no es lo mismo que un arreglo musical, debe tenerse en cuenta que dicho art. 11 se limita a enumerar, a modo de ejemplo, algunos tipos de obras derivadas, indicando en su punto 5º que, en general, también son objeto de propiedad intelectual “cualesquiera transformaciones de una obra literaria, artística o científica”. No obstante, no cualquier alteración de una composición musical preexistente da lugar a una obra derivada. En todo caso, las modificaciones han de ofrecer como resultado otra obra original, requisito indispensable para que cualquier creación pueda ser susceptible de protección por el derecho de autor. Así, por ejemplo, la Audiencia Provincial de Madrid, en su sentencia de 12 de julio de 2004, no consideró como obra derivada (quizá con escaso acierto), por carecer de originalidad, a la remezcla de la canción titulada “Macarena” del grupo “Los del Río”, realizada por Fangoria bajo el título “Macarena (La Mezcla Guerrillera 130 BPM)”. A este respecto, los tribunales españoles han venido admitiendo diferentes parámetros para valorar laoriginalidad de una obra musical, entre los que cabe destacar la estructura, los compases, la tonalidad y modalidad, el carácter, el tempo, el ritmo, la tímbrica, la armonía, la letra o la melodía. Más en concreto, en relación con la originalidad de las obras derivadas musicales, la citada Audiencia Provincial, en su sentencia de 5 de abril de 2010, ha establecido que “la nota de originalidad concurre cuando la forma elegida por el creador incorpora cierta especificidad tal que permite considerarla una realidad singular o diferente por la impresión que produce en el destinatario, lo que, por un lado, ha de llevar a distinguirla de las análogas o parecidas y, por otro, le atribuye una cierta apariencia de peculiaridad”. Así, un remix puede corresponderse con lo que la ley denomina obra derivada, si alcanza cierto grado de originalidad, en cuyo caso se protegería hasta pasados 70 años desde la muerte o fallecimiento de su autor, al igual que la obra originaria. Para poder realizar una obra derivada es necesario contar con la autorización del titular del derecho de transformación sobre la obra preexistente (regulado en el art. 21 de la LPI). A efectos de gestión colectiva, los estatutos de SGAE también indican que el autor de la obra derivada debe contar con tal autorización con el fin de que la misma pueda ser inscrita en el repertorio de esta entidad y, en consecuencia, para que dicho autor pueda percibir las liquidaciones económicas correspondientes por la explotación de su composición derivada. Caso diferente es el de una composición realizada a partir de una obra que ha caído en dominio público, es decir, a partir de una obra cuya protección ha terminado como consecuencia del paso del tiempo indicado anteriormente (70 años desde la muerte o fallecimiento de su autor). En este caso, el autor de la obra derivada no necesita dicha autorización y, además, los derechos que genere la explotación de su composición serán atribuidos solamente a él (o a quien los ceda), en un 100%. No obstante, el autor de la obra derivada no dejará de tener ciertas limitaciones, las cuales se corresponden con los derechos morales del autor de la obra que ha caído en dominio público. Especialmente, el autor de la obra derivada debe respetar elderecho a la integridad de la obra originaria (regulado en el art. 14. 4º de la LPI). Este derecho, además de poder ser ejercitado por el autor de la obra originaria en vida, también lo puede ser por sus herederos una vez haya fallecido (según el art. 15.1 de la LPI) o incluso por diferentes organismos públicos, como el Estado (según el art. 16 de la LPI), y se corresponde con la facultad de, dice la LPI, exigir el respeto a la integridad de la obra e impedir cualquier deformación, modificación, alteración o atentado contra ella que suponga un perjuicio a los legítimos intereses del autor (entendidos desde una perspectiva moral o “espiritual”, no económica) o un menoscabo a su reputación. En conclusión, un remix puede ser considerado como una obra derivada si resulta lo suficientemente original, según los criterios admitidos por los tribunales citados anteriormente (gozando así de la protección conferida por el derecho de autor), sin perjuicio de que el remezclador deba contar con la autorización del titular del derecho de transformación sobre la obra preexistente, además de respetar la integridad de la misma.

por Álvaro Díez Abogado del Instituto Autor y Presidente de 3K Sound Community Licenciado en Derecho, Administración

Fuente: http://www.clubbingspain.com/especiales/2013/12/el-remix-en-el-derecho-de-propiedad-intelectual.html

El Insospechado Truco Del Traductor De Google: Permite Usarlo Como Beatbox

Es curioso como la gente acaba por encontrarle usos a las herramientas informáticas que sus autores jamás pensaron. Compruébenlo con el Traductor de Google, una utilidad en línea que permite traducir textos de un idioma a otro, pero que sorprendentemente, alguien descubrió que puede ser aprovechada como una caja de ritmos vocal (Beatbox).
El truco fue publicado por primera vez en 2010 por el DJ Ean Golden, quien descubrió que mezclando vocales inconexas en el traductor, para luego pedirle vocalizar en alemán, se podían obtener ritmos muy parecidos al estilo del Beatbox.
Para probarlo, sólo debes seguir estos pasos:
1) Entra al Traductor de Google
2) Elige traducir desde el Alemán
3) Copia y pega la secuencia a continuación. Luego pulsa sobre el ícono de audio para escuchar.

pv zk bschk pv zk pv bschk zk pv zk bschk pv zk pv bschk zk bschk pv bschk bschk pv kkkkkkkkkk bschk bschk bschk pv zk bschk pv zk pv bschk zk pv zk bschk pv zk pv bschk zk bschk pv bschk bschk pv kkkkkkkkkk bschk bschk bschk pv zk bschk pv zk pv bschk zk pv zk bschk pv zk pv bschk zk bschk pv bschk bschk pv kkkkkkkkkk bschk bschk bschk pv zk bschk pv zk pv bschk zk pv zk bschk pv zk pv bschk zk bschk pv bschk bschk pv kkkkkkkkkk bschk bschk bschk pv zk bschk pv zk pv bschk zk pv zk bschk pv zk pv bschk zk bschk pv bschk bschk pv kkkkkkkkkk bschk bschk bschk

¿Quieres jugar tú mismo con los sonidos? Usa las siguientes claves:
zk = Platillos suspendidos
bschk = Caja
pv = Baqueta de cepillo
bk = Bajo
tk = Redoble 1
vk = Golpeteo
kt = Redoble 2
kttp = Golpeteo de redoble
krp = Hi hat
pv = Golpeteo corto
th = Hi hat reforzado
thp, ds = Cierre

Fuente: http://www.biobiochile.cl/2013/11/26/el-insospechado-truco-del-traductor-de-google-permite-usarlo-como-beatbox.shtml

Consejos Para Afinar Tu Oído Musical

• Consejos para afinar tu oído musical (y así enriquecer tu vida) / 
• A lo largo de la historia compositores musicales de notable relevancia, como el alemán Robert Schuman, sugerían a los principiantes algunas premisas para “educar el oído”. Pero, ¿qué implica una actividad como esta? El libro Music: Ways of Listening, el cuál se ha convertido en un clásico sobre el tema, explica las distintas vías prácticas, en su mayor parte enfocadas en el desarrollo de la atención, para mejorar la escucha y el disfrute de la música.

  Aprender a escuchar música podría parecer una habilidad nata, la cual únicamente requiere de nuestra presencia física en un contexto musical. Pero, escuchar realmente, demanda un cierto entrenamiento que aumenten nuestra sensibilidad auditiva. A continuación algunos consejos incluidos en esta obra:

  1. Tratar de escuchar estéticamente todos los sonidos: disfrutar con atención los sonidos del ambiente, te permitirá que cualquier manifestación sonora, por ejemplo un claxon, pueda ser significativa y expresiva – incluso armónica y bella.

  2. Desarrolla un sentido del tiempo en la estructura de la obra: las canciones tiene una disposición particular, aprender a ubicar sus distintos momentos es importante.

  3. Desarrolla tu memoria musical: tratar de recordar patrones musicales en la misma canción te ayudará a entender las composiciones.

  4. Para estudiar y leer sobre música deberás aprender algunos conceptos técnicos que te ayudarán a comprender ciertas piezas.

  5. Desarrolla la concentración musical: En piezas largas trata de encontrar momentos referenciales que te ayuden a comprender en qué lugar de la canción estás.

  6. Intenta escuchar objetivamente y sin pasiones: concéntrate en lo que está ahí y no en lo que quieres que esté.

  7. Escucha englobando tu conocimiento: cuando escuches una pieza remítete a su contexto social, económico e histórico –esto enriquecerá la experiencia.

  Es importante escuchar la música prescindiendo de expectativas y con oídos “frescos”. También resulta práctico eliminar nuestros prejuicios ante los distintos géneros musicales, y recordar que aquellas piezas o estilos que en algún momento nos desagradaban podrían gustarnos en otras etapas de la vida.

  Dedicar tiempo a escuchar música prescindiendo de actividades paralelas, puede ayudarnos a centrar nuestra atención en los estímulos del presente. En resumen, la focalización de nuestra atención y una actitud abierta para percibir con mayor nitidez, son la clave de una experiencia musical más enriquecedora, que indudablemente repercutirá de manera positiva en otros aspectos de tu vida. Recordemos la advertencia de Platón al respecto: “La música es para el alma lo que la gimnasia para el cuerpo”.

Si Un Amigo Superara Su Sordera Y Escuchara Musica Por Primera Vez, ¿Qué Le Recomendarías Escuchar?

“Sin música la vida sería un error”, reza la conocida frase de Friedrich Nietzsche. Y en efecto: sin música, es probable que el mundo fuera el mismo lugar doloroso, triste y trágico que es, pero también sería mucho menos llevadero. O, por el contrario, sería ese lugar alegre y placentero que también es, pero quizá mucho menos estimulante.

Pero de alguna manera tampoco hace falta realizar sesudos ejercicios de imaginación para representarnos ese mundo donde la música jamás fue descubierta o inventada. Ahí están, para desgracia nuestra y suya, las personas sordas que nunca sabrán a qué suenan Mozart o The Beatles, Joy Division, Röyksopp, la música  tradicional de cada región o incluso esa música aleatoria que un oído atento puede percibir dondequiera que se encuentre.

Recientemente un usuario de la red social Reedit, deafstoryteller, planteó una pregunta que por sus circunstancias personales causó un gran impacto y, además, reveló otro de los rasgos esenciales de la música: su capacidad para domar a las bestias y conmover aun a las piedras, para, en suma, sacar lo poco o mucho que de mejor existe en el ser humano.  ”Puedo escuchar música por primera vez, ¿qué debería escuchar?” (“I can hear music for the first time ever, what should I listen to?”), preguntó deafstoryteller.

Se trata de un joven que nació “profundamente sordo” (según cuenta él mismo) y solo hasta hace unos días, siendo ya un joven, recuperó el sentido del oído gracias a un implante. Lo primero que escuchó fue el sonido de sus zapatos contra la alfombra del consultorio médico donde se encontraba. Pero para el mundo un tanto más refinado de la música, deseaba llegar por una puerta mucho menos mundana. 

“Toda mi vida vi personas que escuchaban haciendo el ridículo cantando su canción favorita o girando en la pista de baile. También vi personas que escuchaban conmovidas hasta las lágrimas por una sola canción. Eso fue para mí lo más difícil de comprender”, relata el joven.

Una vez con su implante, un grupo de amigos cercanos, como hierofantes de un culto secreto y reservado, condujeron su iniciación musical, llevándolo de la mano de los Rolling Stones, Michael Jackson, Sigur Ros, Radiohead, Elvis y otras tantas leyendas de este universo. Pero su recién adquirida habilidad todavía se mostró torpe y de alguna manera insuficiente para navegar en tan vasto caudal. Hasta que Mozart acudió en su auxilio.

Cuando la Lacrimosa de Mozart llegó, quedé impresionado por su belleza. En un punto de la canción, me sonó como si los ángeles cantaran y súbitamente me di cuenta de que esta era la primera vez que podía apreciar la música. Las lágrimas corrieron por mi cara e intenté esconderlas. Pero cuando miré alrededor vi que no había un solo ojo seco en el auto.

Finalmente entendí el poder de la música.

En este punto poco podría agregarse. El poder de la música es justo ese: acercarnos al borde donde el lenguaje se revela insuficiente y no queda más que decir, como Hamlet, que el resto es silencio. 

Si acaso vale la pena reseñar que en la pregunta de Reedit, deafstoryteller ha recibido más de 14 mil respuestas. 

Si un amigo superara su sordera y escuchara musica por primera vez, ¿tú qué le recomendarías escuchar?

Fuente: http://pijamasurf.com/2012/08/si-un-amigo-superara-su-sordera-y-escuchara-musica-por-primera-vez-que-le-recomendarias-escuchar/

Musica En Frecuencia 432HZ Para Compartir: Circulos De Cosechs “Conexion” (Video Clip)

Compartimos el primer video clip para gente con ideas abiertas y ganas de escuchar, vibrar y activar energias que produce la 432hz…. Circulos de Cosechas. Banda que mezcla música Electrónica con sonidos naturales de lugares místicos de la tierra, como así sonidos del universo, etc. Jugamos mucho con el Psy Trance, estamos terminando un disco y el proximo vamos a recorrer algunos lugares de latinoamerica para grabar algunas cosas en vivo, y si se puede, grabar en otras partes del mundo.
Banda creada por integrantes del blog. Música en Frecuencia 432hz para Compartir en su Facebook, Blog o donde quieran

Beneficicos de la Frecuencia 432hz:
- La música en 432 hz transmuta y sana el alma, mente y cuerpo:
- El corazón humano (ritmo cardíaco)
- La doble hélice de ADN (frecuencia de replicación)
- La función cerebral máxima – sincronización bihemisférica (dos hemisferios del cerebro)
- El pulso cardíaco fundamental del planeta (resonancia fundamental de la cavidad Schumann)
- La geometría musical de la creación.
PORQUE MUSICA EN FRECUENCIA 432hz? PORQUE UN MINISTRO NAZI LA CAMBIO?
Un ministro de propaganda nazi llamado Joseph Goebels creó un decreto universal en 1939 por el cuál se instaba a todo el mundo a afinar el LA musical a 440 Hertzios, en lugar de a 432 Hz, frecuencia a la que se afinaba toda la música hasta el momento. Desde 1939 hasta hoy en día se ha entonado a esa frecuencia.
Esto provoca en la gente pensar y sentir de una manera determinada y se la mantiene sumida en un desorden interno. En 1953 el decreto de Goebels fue aprobado por parte de la Organización Internacional de Normalización (ISO).
Esto ocurrió a pesar de los esfuerzos de un gran número de músicos franceses que apoyados por el Conservatorio de París, organizaron un referéndum para preservar el LA afinado a 432 Hz.
El LA afinado a 432hz ha estado oculto al mundo por ser el punto de balance sónico de la naturaleza.
“432 Hz vibra en los principios de la media de oro PHI y unifica las propiedades de la luz, tiempo, espacio, materia, gravedad y el magnetismo con la biología, el código del ADN y la conciencia.
La afinación natural a 432 Hz tiene efectos profundos en la consciencia y también en el nivel celular de nuestro cuerpo.
“Por la re-sintonización de instrumentos musicales y el uso de la afinación de concierto a 432 hertzios en vez de 440 hertzios, tus átomos y el ADN empiezan a resonar en armonía con la espiral de PHI de la Naturaleza.” (Brian T. Collins)
Toda la música que escuchamos en este momento, genera una frecuencia inarmónica con el planeta y con el organismo humano.
Una nota hace 12 armónicos, porque pone en resonancia las 12 notas de la escala musical (con medios tonos y sostenidos).
Las notas hacen 12 armónicos, cuando se toca una nota afinada a un LA afinado a 432 Hz. Cuando uno toca en un LA afinado a 440 Hz, sólo se hacen 8 armónicos. La música afinada a 440 Hz es música muy pobre.
La frecuencia del planeta Tierra es de, aproximadamente, 8 Hz. Las ondas alfa, la frecuencia del cerebro en estado de relajación profunda, son ondas a 8 Hz. Afinar a 440, hace que la base no sea 8, sino 8’25, lo cual significa que los armónicos que generan no son armónicos con el planeta.
El Ser Humano funciona en un rango de frecuencia que va de 16 a 32 Hertzios, lo que equivale en la escala musical, del do al do, o sea, una octava. Afinar a 440 Hz tampoco es armónico con la frecuencia del Ser Humano porque la base es 16,5.
La primera alteración física que podemos notar cuándo llevamos un rato escuchando música, es cansancio, fatiga, ganas de no hacer nada, y esto sucede porque los armónicos de la música no encajan con la frecuencia vibratoria del ser humano.
La frecuencia en la que nos mete la música afinada a 440 Hz nos hace sentir inseguridad, miedo, angustia y desorden interno.
Durante muchos años ha interesado que la Humanidad esté sumida en la oscuridad.
Si la música no está en armonía con el planeta, no está en armonía con el Ser humano y cómo consecuencia se producen alteraciones en ambos.
Para evitar que esto continúe sucediendo, deberíamos afinar la música a 432 Hz. Y podemos hacerlo pasando toda nuestra música al ordenador, y utilizar un programa que permita bajar la frecuencia. Las interpretaciones sonarán un poco más lentas, pero es casi imperceptible.
LA VIBRACIÓN DEL BORDÓN EN EL MONOCORDIO
La nota Do (C) vibra en 396 hertzios de frecuencia, para la liberación del miedo y la culpabilidad.
La nota RE (D) vibra en 417 hertzios de frecuencia para la transformación, transmutación, y conversión de nuestro estado mental, para llegar a la aceptación de lo divino.
La nota MI (E) vibra en 528 hertzios de frecuencia, para la transformación y reparación del ADN.
La nota FA (F) vibra en 639 hertzios de frecuencia para El Quantum Cognition esto es, mejorar el conocimiento, acelerar la inteligencia, como? Escuchando por prolongado tiempo el sonido de la nota FA el cerebro puede experimentar la reducción de un compuesto químico presente en el cerebro y denominado ácido quinurénico lo puede mejorar las capacidades cognitivas tanto de personas sanas como de pacientes que padezcan trastornos neurodegenerativos o psicóticos.
La nota SOL (G) vibra en 741 hertzios de frecuencia, e incide y en la expansión de la conciencia humana.
La nota LA (A) vibra en 440 hertzios y despierta la intuición, la nota LA afecta la glándula pineal o epífisis, la llamada tercer ojo, que constituya la antena del ser humano, no solo la intuición como parte de las habilidades del hombre, sino la telepatía, la psicoquinesis y otras capacidades del hombre, serian desarrolladas por la influencia de esta nota en el cerebro humano.
Por último la nota SI vibra en 963 hertzios de frecuencia e incide en el sistema nervioso, estabilizándolo, y equilibrando las energías acumuladas por el estrés y otros factores.
SANACIÓN MEDIANTE SONIDOS: 432 Hz.
Si escuchamos música a 432hz, que es la frecuencia a la que vibra el universo, podemos entonar la conciencia para potenciar nuestro ser ¿de qué te hablo?
La ciencia ha comenzado a re-descubrir los secretos de la resonancia y su impacto en nuestra salud. Como seres de conciencia, dependemos de la resonancia natural de atraer lo que deseamos para alcanzar el amor, la felicidad, el desarrollo personal, salud y abundancia. Dado que no estamos separados de las vibraciones que son interdependientes en la resonancia positiva para mantener y regular nuestro estado de ánimo y la salud para lograr estos objetivos. Lo mantuvieron en SECRETO mucho tiempo, pero ya se les escapó…
El universo tiene una vibración natural a 432 hz (ciclos por segundo). Los instrumentos musicales estaban afinados a esa frecuencia, lo cual permitía a la gente entonar su conciencia, su ser, con la energía universal. 432 Hz vibra en los principios de la media de oro PHI y unifica las propiedades de la luz, tiempo, espacio, materia, gravedad y el magnetismo con la biologia, el codigo del ADN y la conciencia. Pero un nazi, Joseph Goebels, introdujo la frecuencia del tono “LA = 440 hz” en 1939 como la norma de ajuste para todos los instrumentos musicales y el mundo se ha entonado a esa frecuencia desde entonces. La Organización Internacional de Normalización (ISO) lo aprobó en 1953. Esto permite a la gente pensar y sentir de un manera determinada y mantenerla prisionera de cierta conciencia.
El cambio de frecuencia a 440 se hizo a pesar de que el Profesor Dussaut del Conservatorio de París escribió un referéndum firmado por 23.000 músicos franceses quienes estaban a favor de la preservación a 432 Hz, para conservar la armonía musical con la vibración musical del universo.
Desde entonces, usamos la afinación La=440Hz. Las obras clásicas (antiguas) fueron compuestas para un tono La en 432Hz. ¿Ahora te explicas por qué la música de Mozart contribuye al desarrollo de la inteligencia, de la armonía interna de persona, del aumento de la percepción extrasensorial? Actualmente hay quienes están procurando retornar a la frecuencia de la Tierra 432 hz. Ejemplo: Pink Floyd. La música es capaz de mover grandes cantidades de energía, de producir gran expansión del potencial de desarrollo oculto dentro de cada uno de nosotros y nuestros talentos naturales.
A 432 Hz, se notará al instante que comienzas a sentir calma y tu cuerpo se relajará.
A 440 Hz, tu cuerpo se tensa y tu instinto puede sentir que los 440 hz no es natural.
440 vs. 432…
Las investigaciones indican que la música debe estar basada en frecuencias naturales de sintonía cósmica del universo si ha de ser beneficiosa para la humanidad, así tendría un principio “orgánico”. El Instituto Schiller pide un cambio de tono de 440 Hz a A432 Hz de nuevo, ya que el 432 Hz está profundamente entrelazado con la naturaleza.
El reciente re-descubrimiento de la verdadera naturaleza vibratoria de la energía indica que el uso de sintonía a 440 Hz genera un efecto intencional insalubre en el medio ambiente y en los seres vivos. Esto produce un cambio fuera de la naturaleza, de 8 Hz, en cómo pensamos y cómo nuestro ADN regula nuestra constitución genética. El cerebro y el ADN están profundamente conectados al 432 a través de la procesión de los equinoccios y frecuencias cósmicas de 8 hz.
El tono LA = 432hz es el fundamento de la música, el diseño inteligente en la naturaleza tiene una base armónica en 432 vibraciones por segundo. Un fenómeno natural medido que apoya la idea del 432 Hz que entrelazados en base orgánica es el movimiento del Sol y Saturno. Además, podemos establecer que el verdadero orígen de la medida de un segundo está basada en el movimiento del sol. Hay estudios más profundos basados en el movimiento planetario y tonos armónicos que se prestan más al apoyo de lo “orgánico” basado en los 432 Hz como una fundamento sólido para la estructura musical y regulación de nuestra salud.
Desde la aparición de esta información secreta, hubo investigaciones de mucha gente, inclusive de Ananda Bosman, Mick Jagger de los Rolling Stones, por los resultados en las reacciones positivas del público, con estas frecuencias de 432.
Reafinando…
El ajuste actual de la música sobre la base de 440 Hz no armoniza en cualquier nivel que corresponda al movimiento cósmico, ritmo o vibración natural. La diferencia entre 440 Hz y 432 Hz es sólo 8 vibraciones por segundo, pero es una diferencia perceptible en la experiencia de la conciencia humana.
La falta de entonación, de sintonización musical con las frecuencias del universo, es un factor más que genera un desequilibrio en la armonía de nuestra sociedad, de nuestro propio yo. Pues la música abre puertas hacia dimensiones que nos permiten sentir alegría, paz, emociones positivas. Y cuando la música carece de armonía… agudiza las emociones negativas, motiva a la rebeldía, a la negatividad… por lo tanto a bloqueos en tu energía, lo cual favorece enfermedades físicas. La música permite que nos sintonicemos con el conocimiento del universo que nos rodea desde una perspectiva más intuitiva, hacia un despertar a nuevos niveles de conciencia y conocimiento. Si escuchas música a una frecuencia de 432, entras automáticamente a una armonía con el todo.
La afinacion natural a 432 Hz tiene efectos profundos en la consciencia y también en el nivel celular de nuestro cuerpo. Por la re-sintonización de los instrumentos musicales y el uso de la afinación de concierto a 432 hercios en vez de 440 hercios, tus átomos y el ADN empiezan a resonar en armonía con la espiral de PHI de la naturaleza.” -Brian T. Collins.
Flavia Vallega utiliza frecuencias de 432hz. El sonido que se produce es un bálsamo y un potenciador y transmutador, incluso para nuestras células, ejecutar así la música, se vuelve extraordinariamente activo y vivo! Al cantar con esta frecuencia, resuena en el interior, se expande la capacidad expresiva, liberando la carga emocional de los bloqueos energéticos, se dirige el uso de la mente, y el expandir de la conciencia.
Hay gente que tiene la intención de ampliar estas oportunidades a través de una difusión mundial, porque ahora es el momento de la posibilidad humana en que puede florecer, gracias a la belleza y la fuerza de la maravilla de lo que realmente somos: seres de la co-creación cósmica maravillosa. La música y el canto son los más poderosos medios, esto se puede lograr porque el sonido es la liberación principal por la que fue creado y continúa armonizando todo el Universo!

Fuente: http://despiertacordoba.wordpress.com/2013/08/13/circulos-de-cosechas-coneccion-psy-trance-432hz/

Un Experimento Demuestra Que Toda La Musica Electronica Comercial Suena Igual

No he comprobado si los temas elegidos son los que suenan, pero a raíz del experimento me parece alucinante la falta de ideas y como se copian unos a otros ademas con música ultra comercial con el mayor descaro, desde luego la crisis es mayor de lo que pensaba en la música electronica.
Aquí dejo el articulo.


Si alguna vez os ha parecido que todo la música de discoteca suena a lo mismo, cuidado porque la cosa va a peor. Gracias al dubstep y nombres como Skrillex, hoy cualquier tema de electrónica bailable (EDM) contiene un drop o breve clímax en el que se descarga toda la furia de la canción. Y la verdad, todos estos drops han acabado por sonar igual (de mal).
El dúo sueco Dalieri ha hecho una pequeña broma/experimento, prueba irrefutable de la nula originalidad de la música electrónica actual.
Tomando los drops de 16 temas que están ahora mismo en el top 100 de descargas de Beatport (el iTunes de la electrónica), este par de suecos han creado un mashup de menos de un minuto. Veredicto: no hay forma de saber qué estamos escuchando, ya que los 16 suenan igual. De hecho yo no sé muy bien donde termina uno y empieza otro, y dudo que lo sepan los propios productores de cada tema.
Aquí va el mashup de Dalieri, que han titulado ‘Epic Mashleg’, y más abajo la lista de los temas que han utilizado (y que incluye nombres tan populares ahora mismo como Dimitri Vegas, Chuckie o Fedde Legrand):

Dalieri – Epic Mashleg

1. Dimitri Vegas, Like Mike – Wakanda (Original Mix) [Intro]
2. Alvaro & Moti – NaNaNa (Original Mix)
3. Pyero – Genesis (Original Mix)
4. Chuckie, Dzeko & Torres – Down To This (Original Mix)
5. Makj – Springen (Original Mix)
6. Sini – Razz (Original Mix)
7. Pelari – Cango (Original Mix)
8. Krewella – Alive (Hardwell Remix)
9. Shermanology – The Only Way (Original Mix)
10. W&W – Thunder (Original Mix)
11. Gta, Henrix & Digital Lab – Hit It! (Original Mix)
12. Sultan, Ned Shepard, Fedde Le Grand – No Good (Extended Mix)
13. Henrix, Wayne & Woods – Jumangee (Original Mix) [Tiesto Club Life Rip]
14. Alvaro & Mercer feat. Lil Jon – Welcome To The Jungle (Original Mix)
15. Klauss Goulart & Mark Sixma – Rio (Original Mix)
16. Dimitri Vegas, Like Mike – Wakanda (Original Mix) [Outro]

Un experimento demuestra que toda la electrónica comercial suena igual en Menéame.
PD: Aquí tenéis otro experimento parecido del que os hablamos hace un par de años, el mashup de Mashup Germany.

Fuente: http://www.bandalismo.net/2013/musica-electronica-suena-igual-beatport/

El Arte Del Silbido En La Cancion

Desde los Beatles a los Jonas Brother, pasando por Ramstein a Elvis Presley el silbido ha formado parte de la música desde sus comienzos,

El silbido en los últimos años se ha transformado en un recurso musical que ha renovado su interés, y el cual ha aparecido por todos los diferentes géneros musicales posibles: pop, rock, reggaetón, indie, hip hip, electrónica y hasta industrial.

Siendo uno de las la forma más primarias de hacer música se ha vuelto más que interesante debido a su facilidad y su consecuencias.

En este articulo analizaremos diferentes ideas, y formas en las que se utiliza el silbido en la canción actual.

Mucha gente no sabe cantar, o ejecutar el instrumento pero la gran mayoría puede silbar. El silbido es la forma más primaria de hacer música, practicamente todo el mundo puede hacerlo y no requiere más que la utilización del cuerpo. Además produce un efecto muy interesante: genera tranquilidad.

Sin embargo la magia del silbido es similar a la del bostezo: cuando alguien silba mágicamente produce ganas de silbar en quienes la escuchan. Un claro ejemplo es la canción de Supertramp - Easy Does It

¿Qué es el silbido?

Un silbido es un sonido agudo, resultante de hacer pasar un soplido a través de los labios fruncidos. El sonido se varía con la posición de los labios, la lengua o los dientes mientras la boca actúa a modo de caja de resonancia. Alguna gente utiliza los dedos o la mano para realizar distintos sonidos.

Lo mas destacable es su textura, pues al silbar creamos un sonido aflautado, dulce y agudo muy facil de reconocer.

El silbido ha estado en la música hace mucho tiempo, tanto tiempo que sería imposible rastrear sus origines. Y la utilización de los silbidos aparece en todo tipo de música y genero. Algunas de las canciones mas destacadas:

Scorpions - Wind of Change
Peter, Bjorn & John - Young Folks
Prezioso & Marvin - The Riddle
Magan Presents "Verano Azul"
Jonas Brothers- Pizza girl
Bobby Mcferrin - Don't Worry Be Happy!
Petey Pablo - Blow Your whistle
The Black Keys - Tighten Up
Jimmy Jazz - The Clash
Björk - Isobel
Kent - Dom Andra
Pixies - La La Love You

Incluso el silbido forma parte importante de la música en el cine.

"Colonel Bogey” - Bridge On The River Kwai
Morricone - The Good, The Bad & The Ugly
Ennio Morricone - A Fistful Of Dollars
Pinocchio Give a Little Whistle
Bernard Herrmann- Twisted Nerve

El silbido es una buena forma de componer, y generar una melodía. Según Andy Bird: “Un silbido es lo primero que me surge”

Ideas para utilizar el silbido en la canción

- Una introducción. El silbido se utiliza como una melodía de introducción o una variación de la melodía principal, que en vez de ser cantada o ejecutada por un instrumento es silbada. O para presentar la melodia principal de la canción.
Ejemplo: Guns N' Roses - Civil War, Goldfrapp - Lovely head, Edward Sharpe & The Magnetic Zeros – Home, Guns N' Roses - Patience, Billy Joel - The Stranger, Barry Manilow - Can't Smile Without

- Melodía / Gancho. Se entiende como gancho a una parte de la canción, muchas veces una frase o línea de la letra que aparece recurrentemente para cautivar la atención del oyente. El silbido funciona a modo de gancho debido a que una buena melodía silbada cautiva la atención del oyente sino que además produce que quienes la escuchan tengan ganas de silbar lo cual es una buena forma de generar un gancho. Scorpions - Wind of Change, Bobby Mcferrin - Don't Worry Be Happy!, Rammstein- Engel, Bob Sinclar - World, Hold On, Molotov - Yofo. Para leer mas sobre los ganchos: Introducción a los ganchos

- Variación. Otras de las funciones más importantes del silbado en las canciones es la de servir como variación de la melodía principal, lo cual sirve para renovar el interés. En otras palabras una melodía que en vez de ser cantada o ejecutada por un instrumento es silbada introduce novedad. Peter, Bjorn & John - Young Folks, Supertramp - Easy Does it, Mike + the Mechanics - Over My Shoulder,

- Énfasis. La idea es sencilla, el silbido dobla a la melodía principal lo cual genera una repetición de la melodía en diferentes texturas musicales lo cual produce énfasis. Juelz Santana - There It Go, Prezioso & Marvin - The Riddle.

- Instrumento. Se utiliza el sibido como un instrumento musical para generar una base, o un motivo musical. Un buen ejemplo Pitbull Feat. Trina and Young Boss - Go Girl, Magan Presents "Verano Azul", K'naan - The dusty foot philosopher

- Tranquilidad. Sin dudas la cualidad más destacable del silbido es que transmite y genera la sensación de tranquilidad, y relajación. Dependiendo la melodía, el tono y otros elementos que componen la canción, el silbido puede tomar propiedades más alegres o melancólicas. Sin embargo su cualidad principal es la de tranquilidad coloreada con estos matices que nos producen los demás elementos musicales. El silbido se usa mucho también para dar un aire “cowboy “ o del “lejano oeste”. Doogy Degli Armonium - Wanted - Se Busca,
- Arreglo. El silbido no aparece en la forma de melodía, sino que funciona como un arreglo musical. 3OH!3 - Starsrtrukk (Feat. Katy Perry), O-Zone Despre Tine, Juelz Santana - There It Go, La Ley - El duelo, Bangles - Walk like an Egypcian, Roxette - Joyride, Petey Pablo - Blow Your whistle

- Coda. Muchas veces también se utiliza los silbidos como forma de finalizar una canción. Beatles- Two of us, Sugar Ray - Every Morning, Otis Redding - Sitting on the dock of the bay

Por último vale destacar que el uso del silbido abarca, como hemos visto en el artículo anterior: Primer Plano Versus Fondo. Puede ocupar un primer plano, o puede aparecer sutilmente en un segundo plano pasando casi desapercibido. Un buen ejemplo es Brother Ali - Walking Away y The Cool Kids - Pennies. La sutiliza del silbido sirve que resaltar en la melodía o se funda en el coro pasando desapercibido pero agregando cierta textura musical, por supuesto esto depende de la intención del compositor.

El uso del silbido puede aparecer en diferentes secciones de acuerdo a nuestro interés. Generalmente suele aparecer en la introducción o el estribillo. Otras veces se lo utiliza como arreglo para diferentes secciones como el Puente y el Solo. The Fratellis - Whistle For The Choir. Aunque también es muy frecuente que aparezca en la coda, o final de la canción. Un caso interesante es el de John Lennon - Jealous Guy que aparece en el medio de la canción para agregar variacion.

Otras canciones que merecen mencion

Amanda Marshall - If I Didn't Have You
Eels - I Like Birds
Happy Mondays - Step On
Cat Stevens - Portobello Road
Perry Como - Magic Moments
Live - Waitress
Toots Thielemans - Velas
Alan Parsons Project - Cant take it with you
Elvis Presley - A Whistling Tune

Click aqui para ver la playlist de canciones con silbidos en youtube

Conclusión

El silbido es un recurso sencillo y práctico para utilizar en nuestras canciones. Tanto como para componer una melodía, como para agregar variación, un arreglo, o ciertos matices de color y textura.

Es la forma más sencilla de generar un gancho, pues la melodía se ve simplificada y toma primer plano al ser silbada. Gana fuerza, y protagonismo lo cual produce que la canción y su melodía sea más fácil de recordar.

Fuente: http://escribircanciones.com.ar/icomo-componer-musica/222-el-arte-oculto-de-el-silbido-en-la-cancion.html