Un Casco Hace Música Con Tus Ondas Cerebrales

La artista londinense Aiste Noreikaite se ha inspirado en prácticas de meditación budista para crear un casco que permite hacer música con las ondas cerebrales. El casco utiliza la electroencefalografía (grabación de la actividad eléctrica del cerebro) para traducir los procesos neuronales en sonido, todo ello a tiempo real, creando un "reflejo sonoro de la experiencia personal en un momento determinado".

"He programado las frequencias sonoras con una pequeña diferencia de izquierda a derecha, para que de este modo, al ser escuchadas simultaneamente, produzcan una tercera frecuencia que pueda ser escuchada dentro de nuestras cabezas. El usuario escucha el sonido generado por sus propias ondas cerebrales. Las ondas cerebrales se reconocen en ese sonido y reaccionan de manera positiva, entonces esto es loopeado de nuevo una y otra vez".

El sonido producido por el casco es más agudo cuanto más claro sea el estado mental del usuario. Por el contrario será más rápido y rítmico cuanto más centrada esté la mente en un tema en particular. De acuerdo a Noreikaite puede que el casco tenga algún beneficio para la salud del usuario. Muchos de los que lo han probado afirman sentirse mejor tras su uso.

Debajo tienes un vídeo en el que se ve al público probando el invento durante su exhibición en la galería del Hotel Elephant de Londres.

Fuente: http://www.clubbingspain.com/noticias/2015/un-casco-hace-musica-con-tus-ondas-cerebrales.html

Una Nueva Versión De "Stay With Me" De Sam Smith Compuesta Con Frecuencias Perceptibles Para Sordos

Imágenes vía
El compositor holandés Kyteman, en colaboración con una joven sorda de 19 años llamada Vera van Dijk, ha compuesto un tema utilizando únicamente frecuencias que son perceptibles mediante un implante coclear, un dispositivo que permite a las personas sordas disfrutar de una capacidad de oída limitada. Van Dijk recibió hace poco uno de estos implantes, lo que le abrió un nuevo mundo de posibilidades profesionales y personales, incluyendo la oportunidad de participar en un concierto especialmente diseñado.
Durante dos sesiones de estudio que sirvieron como prueba, Kyteman y sus compañeros de grupo tocaron música a diferencias frecuencias y volúmenes, siempre consultando a Dijk si podía escuchar o no lo que estaban tocando. Una vez hubieron recopilado todos los datos, compusieron una versión de "Stay With Me" de Sam Smith utilizando solo las notas que Dijk había aprobado en las sesiones de estudio. El resultado fue un concierto en vivo interpretado para 400 personas, el primero en el que van Dijk pudo por fin participar de principio a fin.
La experiencia fue complementada con un videochat vía móvil con su hermano, cuyos labios leyó para poder entender la letra de la canción. "Fue definitivamente un reto adaptar la canción para Vera", Kyteman dijo a The Daily Mail, "pero cuando la vi disfrutar en cada momento durante el concierto, supe que habíamos cumplido nuestra misión".
A continuación, te dejamos con unas cuantas fotos del proceso de composición y con un pequeño documental sobre el proyecto, pasa directamente al minuto 5:07 si quieres ver las imágenes del concierto entero.

Si quieres ver el vídeo ir al enlace al final del post







Fuente: http://thecreatorsproject.vice.com/es/blog/una-nueva-versin-de-stay-with-me-de-sam-smith-compuesta-con-frecuencias-perceptibles-para-sordos?utm_source=vicefbes

Descubren Cómo Afecta Al Cerebro Tu Canción Favorita

Los primeros acordes de nuestra canción favorita desencadenan un patrón común de actividad cerebral -se generan pensamientos y recuerdos­- independientemente de la persona que disfrute de la melodía. Sin embargo, hasta ahora no se conocía cómo se produce dicha activación en el cerebro. Los hallazgos, publicados este jueves en Scientific Reports, una de las revistas de la editorial Nature, podrían explicar por qué diferentes personas describen sentimientos y recuerdos similares al escuchar su pieza musical favorita, tanto si es una composición de Beethoven o Eminem.

Para entender por qué la gente tiene experiencias comparables, el grupo de investigación estadounidense evaluó las diferencias en las redes funcionales del cerebro (utilizando imágenes de resonancia magnética funcional, fMRI) en 21 personas que escucharon diferentes tipos de música, incluyendo rock, rap, y melodías clásicas. Los científicos identificaron modelos consistentes de la conectividad cerebral asociada a las canciones favoritas y demostraron que un circuito importante en los pensamientos introspectivos -la red neuronal por defecto (Default Mode Network o DMN, en inglés)- se conecta más cuando se escucha la música preferida.
Como explica a Sinc Jonathan Burdette, profesor del Centro Médico Wake Forest Baptist (EE UU) y uno de los principales autores del estudio, "aunque no entendemos completamente lo que hace la DMN, es probable que tenga un papel importante en la determinación de quiénes somos y cómo encajamos en el mundo". Los expertos se refieren a esto como pensamientos autoreferenciales. Según los autores, los resultados fueron inesperados "dado que las preferencias musicales son fenómenos individualizados y que la música puede variar mucho en complejidad rítmica, presencia o ausencia de la letra, consistencia, etc.".

Canciones favoritas, viejas emociones

El trabajo pone de manifiesto que la escucha de una canción favorita altera la conectividad entre las áreas cerebrales auditivas y el hipocampo, una región responsable de la memoria y la consolidación de las emociones. Los expertos comprobaron así que al oír las melodías favoritas se produce una desconexión de las áreas de procesamiento de sonido del cerebro en las zonas de codificación de la memoria de dicho órgano. "Esto se debe probablemente a que al escuchar nuestra música favorita, no estamos creando nuevos recuerdos. Más bien, estamos aprovechando recuerdos y viejas emociones", subraya Burdette.
Para los autores, estos hallazgos podrían tener importantes implicaciones en la terapia musical, sobre todo en la elección apropiada de la música capaz de involucrar a los circuitos cerebrales dañados.

Fuente: http://www.publico.es/541160/descubren-como-afecta-al-cerebro-tu-cancion-favorita

Mozart Medicinal: Las Probadas Propiedades Curativas De Escuchar A Este Compositor

La frase “la música es medicina”, además de poseer una coqueta fonética, también incluye una buena porción de verdad. La experiencia práctica, incluso cotidiana, de millones de personas que usamos la música para navegar la vida, es prueba de ello. Pero además, existe un buen número de estudios científicos que así lo sugieren. Entre las bondades curativas, fenómeno en el cual profundizamos en una nota publicada también en este sitio, se detectaron beneficios en áreas médicas como inmunidad, control de estrés y afiliación social. 

Pero, partiendo de la premisa de que la música tiene un poder curativo, entonces sería bueno preguntar si ciertas clases de música o intérpretes determinados potencian estas cualidades. Por ejemplo, recordemos que el brillante trío británico, Marconi Union, creó hace un par de años Weightless, una pieza que, tras el análisis neurológico de sus efectos sedantes, fue considerada la más relajante que se haya producido jamás. 

Parecía que nada podría curar, ni siquiera amainar, su padecimiento. Una cirugía cerebral, tratamientos con siete distintos fármacos especializados e incontables remedios, no lograban interrumpir los ataques que un británico experimentó cotidianamente durante una buena porción de sus 46 años de vida. Poco antes de que se sometiera a una segunda cirugía, que los doctores sugerían, comenzó inexplicablemente a mejorar de manera significativa. Habiendo promediado siete ataques epilépticos cada mes durante un buen rato, acumuló tres meses sin ataques. Intrigados, los doctores analizaron las posibles causas de la mejoría y determinaron que se debía a cambios en los hábitos del paciente. La sorpresa fue aún mayor cuando se dieron cuenta que el único cambio sustancial era que estaba escuchando, diariamente y durante 45 minutos, música de Mozart. 

Este caso reportado por el Instituto de Neurología de Londres es un ejemplo reciente de lo que se conoce como el “efecto Mozart”, termino generalmente asociado con un aparente aumento en ciertas habilidades cognitivas, producto de escuchar composiciones del alemán, pero que se ha extendido para referir cualquier efecto positivo que conlleve esta práctica. De acuerdo con el doctor John Hughes, de la Universidad de Illinois, la influencia de la música de Mozart en el cerebro humano podría deberse a la compleja organización de sus composiciones: “La arquitectura de la música de Mozart es brillantemente compleja, pero también está sofisticadamente organizada. La organización de la corteza cerebral podría resonar con esta música y así normalizar cualquier subfuncionamiento”. 

Algunas propiedades curativas y benéficas de la música de Mozart:

Epilepsia / Además de este caso reciente, neurólogos de la Universidad de Illinois comprobaron que 23 de 29 pacientes reportaron una disminución significativa de la actividad cerebral que precedía a ataques epilépticos. 

Vista / Tras un estudio realizado en 2006, investigadores brasileños de Casa Santa, en Sao Paulo, sugieren que escuchar diez minutos de la Sonata para dos pianos permitía a los pacientes de glaucoma registrar mejor vista que aquellos que no habían tenido ese preámbulo. 

Ritmo cardiaco / Un estudio realizado en el Hospital Oberwalliser de Suiza detectó que la música de Mozart y de Bach reducía el ritmo cardíaco y lo estabilizaba.  

Estrés / Médicos del Weill Cornell Medical College de la Universidad de Nueva York han detectado indicios de que la música de Mozart puede ser un relajante particularmente efectivo, incluso en recién nacidos, quienes evidentemente no cuentan con referencias culturales del compositor.  

Tal vez vale la pena recalcar que la música es, antes que nada, un vehículo del gusto, del desdoblamiento y que, independientemente de cualquier estudio científico o aparente beneficio tangible, sus verdaderos regalos son aquellos que no pueden expresarse –pues sólo ella los expresa. Pero si además de esa armónica efervescencia que induce en nosotros podemos confirmar que el arte del sonido nos comparte beneficios medicinales, entonces no queda mucho que decir, y demasiado por escuchar.  

Fuente:http://pijamasurf.com/2014/07/mozart-medicinal-las-probadas-propiedades-curativas-de-escuchar-a-este-compositor/

¿Qué Nos Hace Bailar? El Groove Entra Al Laboratorio

La pregunta no es sobre el sentido del baile (ritual, convivencia, entretenimiento, seducción, etc.), sino por qué existen ritmos que nos apelan y hacen bailar mientras que otros pasan de largo casi sin rozarnos.

Hay ritmos que te ponen a bailar y hay otros que te dejan completamente indiferente. ¿Por qué? La respuesta es compleja y depende de muchos factores: educación musical, gusto por el baile y hábitos sociales. Pero un nuevo estudio de Maria Witek, estudiante postdoctoral de la Universidad de Aarhus, revela que entre un repetitivo “punchis-punchis” y un complejo groove existe un punto medio de preferencias.

Los participantes del estudio tomaron una encuesta en línea donde debían evaluar 50 líneas rítmicas de percusión, con diferentes grados de síncopa. Evaluaron cada ritmo en dos categorías: cuánto placer les daba escucharla y cuántas ganas les daban de bailar (categoría a la que el estudio se refiere como “experiencia relacionada al groove.”)

Al graficar los resultados, los investigadores descubrieron que los ritmos demasiado simples le parecieron aburridos a los participantes, mientras que los ritmos demasiado complejos los abrumaban. ¿En qué consiste la mezcla perfecta? En su capacidad de inducción, una propiedad descrita como el deseo de sincronizarse con algo, y que aparece cuando existe “algo de resistencia estructural contra el pulso regular en el material musical”, según Witek.

Esto quiere decir que la música (o al menos un beat musical) nos gusta o no en la medida en que nos propone un reto: en que nos invita a seguirla a la vez que nos pone algunos obstáculos. La medida de inducción difiere según quién escucha, pero el placer del ritmo proviene en buena medida de un deseo satisfecho de sincronizarnos y responder a esa invitación. 

Fuente: http://pijamasurf.com/2014/04/que-nos-hace-bailar-el-groove-entra-al-laboratorio/

 

Los Beatles Siguen de Gira En Un Universo Paralelo

Esta entrada no se si tomármela a broma totalmente o quizás tenga algo mas de seriedad de lo que aparenta, aun así como curiosidad la he decidido subir al block para que os echéis unas risas o para que os intrigue, juzgar vosotros mismos.

Desde hace unas semanas circula la noticia de un álbum raro de Los Beatles. Digo raro, y no mágico y misterioso, porque ya saben con cuánto cuidado conviene analizar las evidencias. La historia es así: la tarde del 9 de septiembre pasado, James Richards (seudónimo) viajaba cerca de un sitio llamado Del Puerto Canyon, al oeste de Turlock, California. Como su perro, su único acompañante, comenzó a mostrarse inquieto, detuvo el coche a un costado de la ruta por si necesitaba hacer sus necesidades. En eso, un conejo llamó la atención de la mascota, que salió disparada para darle caza. James, que conoce la perseverancia del animalito, se unió al tren. En medio de la persecución nuestro hombre tropezó y cayó desmayado. Cuando despertó estaba en un living con la cabeza vendada y su pichicho al lado, moviendo la cola. Cerca de allí, un hombre alto, de cabello negro y algo impresentable que dijo llamarse Jonas, le preguntó cómo estaba. Miró a través de la ventana y el paisaje era irreconocible. “¿Dónde estoy?”, le preguntó a Jonas. Desde ese momento, la concepción de Richards de la realidad se puso patas para arriba. Su ángel salvador había resultado ser un viajero interdimensional que decidió intervenir para  prestarle ayuda. Le explicó que había infinidad de Tierras paralelas, que lo había llevado a la suya hasta que se pusiera mejor y le dio abundantes detalles del planeta en esa otra dimensión.
INCREÍBLE SOUVENIR. Mientras conversaban notó que en esa realidad paralela las cosas sucedían de un modo parecido, pero con ligeras diferencias. Otras no tan ligeras, bueno. En un momento, a las perdidas, Jonas le cuenta que su hermano acababa de volver de un concierto de Los Beatles. “¿Quieres decir que aquí todavía están juntos?”, preguntó. Sí, contestó Jonas, y le mostró una estantería llena de casetes. Vio algunos discos conocidos, como Sargento Peppers, pero la portada lucía algo diferente. También vio otros títulos totalmente desconocidos. Le pidió una copia, para traer a nuestro mundo, y a Jonas le cambió el humor. “¡No, nada de fotos, nada de recuerdos, nada de cintas, nada!”. Le explicó que, si se lo permitía, algo malo podía suceder. Richards dejó de mostrarse interesado y cambió de tema. Pero no bien su anfritrión se distrajo metió uno de los casetes en el bolsillo. “No soy el tipo de persona que va a pasar por todas estas cosas en un mundo paralelo sin tomar algo para demostrar mi experiencia”, explica en el web site The Beatles Never Broken Up, donde cuenta la historia completa. Como sea, Jonas lo acompañó hasta el portal dimensional y, en instantes, Richards ya estaba junto a su auto. Otra vez en la Tierra.
EL CALVARIO. James Richards (quien asegura preferir el anonimato por temor a represalias de la otra dimensión), es uno de los pocos protagonistas que ha regresado de una experiencia paranatural con pruebas concretas. En este caso, el único disco de Los Beatles grabado en una realidad alternativa, una Tierra II donde el grupo no se deshizo, Mark Chapman no leyó El guardián entre el centeno y George Harrison sobrevivió al cáncer. Otro mundo donde Paul McCartney parece haber sido incapaz de componer “Yesterday” y la banda aceptó a Yoko Ono como quinto beatle.
El título del álbum en cuestión es Everyday Chemistry (algo así como Química Cotidiana) y Richards, o como se llame, lo subió entero a la red, no sea cosa de resultar acusado de lucrar con una obra cuyos derechos son, por lo menos, materia controvertida. Por cierto, pocos le creen. Richards no los culpa. “Todavía tengo problemas para creer lo que me pasó. Yo no esperaría que usted me creyera, seguro que yo no lo haría, por eso tomé la cinta como prueba de que mi experiencia fue real”, explica. Los lectores que comentan las notas publicadas en cada medio anglosajón que se hizo eco de la novedad le saltan a la yugular: de todos los adjetivos que recibió, “charlatán” y “tarado” son los más cariñosos.
Si bien Los Beatles me fascinan, admito que lo mío no es la crítica musical. Pero me preocupó que nadie sometiera al disco a una evaluación ponderada. No para saber si alguien puede volver con un casete de Los Beatles de un universo paralelo, pero sí para pensar en cómo deberían sonar en una realidad donde siguen juntos. Para remediar esto convoqué a mis amigos Daniel Riera, por años crítico de rock en la edición argentina de la revista Rolling Stone, y a Alejandro Borgo, a este último no por su militancia escéptica -faltaba más- sino por sus conocimientos sobre la historia de Los Beatles y por ser un intérprete exquisito de sus canciones.
Escuchar Everyday Chemistry

NUESTROS BEATLES SON MEJORES
Por Daniel Riera
No sé si es una buena noticia que exista una banda llamada “Los Beatles” en otra dimensión. Por lo menos, no me queda claro luego de haber escuchado su casete (en esa otra dimensión, sigue siendo el soporte sonoro favorito de los usuarios) Everyday Chemistry. Los Beatles de la otra dimensión se llaman John Lennon, Paul Mc Cartney, George Harrison y Ringo Starr, igual que los nuestros. Pero no son iguales: en Everyday Chemistry queda clarísimo. James Richards, el hombre que importó el casete de aquellos Beatles (que todavía hoy siguen tocando allí donde viven), no aclara si la banda grabó allí un álbum parecido a lo que de este lado conocemos como Album Blanco (aunque su verdadero título sea The Beatles). Si así fuera, uno deduciría que aquellos John, Paul, George y Ringo han decidido profundizar en la senda experimental iniciada con “Revolution 9”. Aquí hay cintas invertidas, caos sonoro, muy poco de lo que en esta dimensión denominaríamos “canciones”. Para aquellos que gustamos de la música de “nuestros Beatles”, este es un problema. Porque si algo hacían bien “nuestros” Beatles,  era precisamente… ¡canciones! En ese revoltijo sonoro que es Everyday Chemistry, podemos identificar sin dificultad fragmentos de temas de lo que aquí conocimos como Wings, como Band On The Run, o de la carrera solista que Lennon desarrolló en nuestra dimensión, como Isolation. Al no haberse separado jamás, aquellos Beatles fueron teniendo ideas con algún punto de contacto con las que se le ocurrieron a “nuestros” Beatles cuando se convirtieron en solistas. El problema es que en la otra dimensión no lograron desarrollarlas como lo hicieron en este: se disuelven en un collage monótono que por momentos evoca más a los Residents que a “nuestros” Beatles. Ignoro qué representa este álbum en la carrera de la legendaria banda que existe y hace música en otra dimensión. Si todos sus discos son como Everyday Chemistry,  no tengo ninguna duda de que “nuestros” Beatles son muchísimo mejores.

UN REGRESO A LA NADA AUTORAL
Por Alejandro Borgo
No suenan a temas compuestos y desarrollados de acuerdo a ideas centrales. Un pedazo de letra por acá, una voz por allá, una base rítmica que se repite. No parecen temas que tengan una línea melódica y armónica coherente. Se deben haber renovado bastante en esa realidad paralela, porque no parecen Los Beatles. Pero ellos eran así, innovadores. Lamentablemente, este disco marca, yo diría, una involución. Comparado con la última obra conocida grabada por Los Beatles, Abbey Road, este disco representa una verdadera regresión a la nada autoral. Igualmente, resulta grato saber que se mantuvieron en actividad, volviendo a ingerir gran cantidad de drogas psicodélicas al componer y grabar. O tal vez una suerte de Alzheimer prematuro les afectó la creatividad y balbucearon aleatoriamente lo que recordaban de sus vidas anteriores.

Fuente: http://magiacritica.wordpress.com/2009/11/27/james-richards-los-beatles-siguen-de-gira-en-un-universo-paralelo/

Un Tatuaje como Instrumento Musical

::vtol:: es un proyecto ruso fundado por Dmitri Morozov en el 2007. Su principal objetivo es hacer música experimental con diversos objetos. Un paraguas, un televisor e incluso crea un sintetizador utilizando palillos de dientes.

En este caso, el músico se ha tatuado una partitura que va de acuerdo con una máquina personalizada para ello. ¿Cómo funciona? El aparato tiene un detector óptico y dispositivo que funciona con wifi para poder reproducir el sonido en el ordenador.

Si ayer os enseñábamos el vinilo del terror, hoy tenéis la partitura tatuada y un cacharro que molan un montón pero que suena como si estuviéramos contactando con el más allá o con vida extraterrestre.

http://vimeo.com/89277526

Fuente: http://www.viciousmagazine.com/tatuaje-como-instrumento/

7 Mujeres Que Cambiaron La Musica Electronica

En un esquema patriarcal, los reflectores de la historia siempre están sobre los hombres y sus logros. Se han abierto importantes brechas en la historia social y política para mostrar la verdadera importancia del papel de la mujer, pero hay muchas otras historias, cómo la de la música, en que su papel aún no ha sido del todo reivindicado. La historia de estas 7 mujeres muestra que a pesar de los prejuicios el talento se impone y que hoy estaríamos frente a un paisaje musical muy distinto, seguramente más aburrido, si no fuera por sus invaluables aportes.

He aquí las historias recopiladas por Sarah Statham para Champion Up North:

1) DELIA DERBYSHIRE

Empezamos por rendir tributo a la “escultora del sonido”, Delia Derbyshire. La mujer detrás del wobbulator un día se acercó a los Decca Recording Studios de Londres, sólo para que le dijeran sin más que no empleaban mujeres. A pesar de que varias compañías la rechazaron, continuó persiguiendo su pasión y en 1960 logró materializar una oportunidad de trabajar como asistente en un estudio de la BBC.

Desmond Briscoe, ejecutivo del estudio, pronto se dio cuenta de que la alta, callada y pelirroja Delia no sólo era entusiasta, sino enormemente creativa y talentosa. Entonces Briscoe la invitó a unirse a su taller experimental Radiophonic en 1962, del que ella formó parte durante 10 años.

Una de sus primeras tareas fue realizar una de los primeros temas electrónicos utilizados alguna vez en televisión: la música de Ron Grainer (que quiso compartir créditos con Delia por sus efectos, pero las políticas de la empresa no se lo permitieron) para la nueva serie de ciencia ficción, Dr. Who. Delia, y su ingeniero, Dick Mills, habían creado cada sonido desde la nada; no tenían referencias anteriores y por lo mismo Delia no tenía idea de qué tan influyente se volvería su trabajo para el Radiophonic Workshop en el futuro.

Aquí puedes ver el minidocumental “La escultora del sonido”:

2) SUZANNE CIANI

Pianista experta, Suzanne compuso partituras de jingles para anuncios de distintas marcas, como Coca-Cola y General Electric, usando un Buchla Analog Modular Synthesiser (el cual compró con dinero ganado en su trabajo en la fábrica de Buchla). Aunque es mejor apreciada por su música original y sus paisajes sonoros, su especialidad fue la reproducción de efectos de sonido en su sintetizador que, antes de ella, habían causado muchos problemas a los ingenieros que querían grabarlos.

El sonido de una botella de Coca al ser destapada y servida, utilizado en radio y televisión a finales de los ’70, es uno de sus trabajos más reconocidos. Pronto sus efectos de sonido se volvieron altamente demandados. Su voz aparece en el juego de pinball “Xenon” y, en 1977, Ciani creó los efectos especiales para el disco de platino de Meco con la versión disco del soundtrack de Star Wars.   

A principios de los ’80, Ciani empezó a grabar trabajos New Age que conjuntaban sonidos electrónicos con instrumentos tradicionales, y más tarde fundó su propio sello discográfico llamado Synthetic Wave.

Mira a Suzane Ciani trabajar para el juego de Xenon (manipulando su voz y creando sonidos electrónicos):

3) DAPHNE ORAM

Aunque a Daphne Oram le ofrecieron un lugar en el Royal College of Music, ella prefirió tomar un trabajo como asistente de ingeniería de audio para un estudio de la BBC. Allí empezó a experimentar con cintas magnéticas y a explorar las posibilidades de los sonidos sintéticos. Después de un viaje a los RTF studios en los años cincuenta, Oram inició una campaña para que la BBC tuviera instalaciones de música electrónica para utilizar en sus programas. Esto la llevó a desarrollar el famoso Radiophonic Workshop. Un año más tarde abrió los “Oramics Studios for Electronic Composition” en un edificio que fue alguna vez utilizado para secar avena cerca de Kent.

En febrero de 1962, Daphne ganó una gran subvención para apoyar el desarrollo de su máquina Oramics. Haciendo uso de una nueva técnica —mejor descrita como “sonido dibujado”— este dispositivo permitía al compositor dibujar un alfabeto de símbolos en película de 8 mm y meterlos en la máquina para producir sonidos. Parecido a la manera en que ahora dibujamos beats y manipulamos sonidos con software, éste fue el amanecer de un acercamiento visual a la creación de la música electrónica.

Aquí hay una versión virtual de la máquina expuesta en el Museo de Ciencia de Londres. Puedes ver cómo el usuario cambia el pitch, el reverb, el vibrato y la velocidad con su dedo: 

4) ELIANE RADIGUE

Creados en París, los trabajos más valiosos de Eliane Radigue (producto de un sintetizador ARP, un micrófono y cintas magnéticas en loop) fueron elogiados a través de su carrera por su pureza y su contribución al reino de los trabajos sonoros. Llamados “de una verdadera originalidad”, sus paisajes sonoros comunican movimiento, cualidades espirituales, además de tener el poder de transportarte hasta lo más profundo del corazón de cada sonido.

Después de trabajar en varias universidades y estudios de música electrónica, Radigue viajó al Tibet en 1975 para explorar el budismo. En tanto que este movimiento interrumpió temporalmente su desarrollo creativo, en sus trabajos posteriores se puede escuchar el efecto del tiempo pasado en tal paz y quietud, a través del control y la disciplina utilizadas por los largos y meditativos zumbidos que ha utilizado desde entonces.

Pionera y visionaria musical desde que empezó a producir sus evocadores sonidos electrónicos en los sesenta, Eliane Radigue ha creado un singular, poderoso y único trabajo.

5) CLARA ROCKMORE

Virtuosa del Theremin y gran innovadora, Clara Rockmore destacó desde niña cuando tomaba lecciones de violín. Viajó a Rusia para asistir al prestigioso Conservatorio Imperial de San Petersburgo con tan sólo 5 años de edad (hasta hoy sigue siendo la estudiante más joven en lograr entrar a esta institución).

En su adultez, sin embargo, Clara tuvo que abandonar su instrumento, pues había desarrollado dificultades crónicas en los huesos debidas a problemas de malnutrición cuando era niña. Contemplativa acerca de su futuro creativo, se inclinó hacia el uso del Theremin, un instrumento nuevo, con un sonido similar al del violín y que describió como “el salvador de su cordura musical”.

Notando las limitantes del diseño original del Theremin, Rockmore ayudó a desarrollar el instrumento para ajustarlo a sus necesidades. Sugirió varias mejoras al inventor del instrumento, Léon Theremin —una antena de volumen más rápida, un rango musical más amplio y controles de tono— las cuales fueron incorporadas en versiones posteriores del instrumento.

Aquí puedes ver y escuchar las habilidades de Clara en su Theremin modificado: 

6) PAULINE OLIVEROS

Aunque escribió sus primeras piezas utilizando notación tradicional, Pauline Oliveros rápidamente empezó a explorar con técnicas electrónicas. Influenciada por sus estudios en culturas nativo-americanas y religiones orientales, sus composiciones incluyen prácticas ritualistas y meditativas mientras explora ideas cada vez más profundas y existenciales.

Oliveros fue una figura central en el desarrollo de la electronic art music, y fue miembro fundador del San Francisco Tape Music Center. Ha escrito libros, imaginado nuevas teorías musicales y examinado nuevas formas de enfocarse en la música. La más famosa de todas es su noción de “conciencia sónica”  y “escucha profunda”. Oliveros acuñó el término de “escucha profunda para describir la disciplina de interpretar y grabar en espacios atmosféricos y resonantes como catedrales, cuevas y grutas.

Aquí puedes escuchar uno de sus trabajos titulado “Bye Bye Butterfly”:

7) LAURIE ANDERSON

En 1977, Laurie Anderson creó un violín con cinta magnética en el arco (en lugar de la tradicional crin de caballo) y una tape head en el puente. Aunque más tarde se deshizo de la cinta magnética y usó el contacto con el arco para disparar las secuencias de audio, la inventividad de Anderson, al igual que un filtro vocal que da gran profundidad a su voz, es un motivo recurrente en su trabajo.

Junto con sus filtros vocales, Anderson tenía su ‘talking stick’, un largo controlador MIDI con forma de bastón diseñado para reproducir sonidos. Así lo describe ella:

“[El Talking Stick es] un instrumento inalámbrico que puede accesar y replicar cualquier sonido. Funciona bajo el principio de síntesis granular —la técnica de romper el sonido en pequeños segmentos, llamados granos, y entonces volver a reproducirlos de maneras diferentes. La computadora reorganiza los fragmentos de sonido en líneas continuas o en paquetes aleatorios que son vueltos a reproducir en secuencias traslapadas para crear nuevas texturas”.

La pieza, mitad cantada, mitad hablada, “O Superman (For Massenet)”, que hace uso de su Talking Stick, inesperadamente alcanzó el lugar número 2 en el ranking británico en 1981.

Fuente: http://pijamasurf.com/2014/03/7-mujeres-visionarias-sin-las-que-la-musica-electronica-no-seria-lo-mismo/

Artista Controla Agua Y Sonidos A Través De Ondas Cerebrales

• A través de sus emociones logra disparar distintos tipos de movimientos en cuencos de agua conectados a altavoces.

Mediante una vincha que transmite sus propias ondas cerebrales, la artista coreana Lisa Park realizó una demostración controlando y moviendo agua a través de las órdenes enviadas directamente de su mente.
El sistema basado en una vincha EEG (Electroencefalografía) está diseñado para rastrear las distintas frecuencias de actividad cerebral, delta, theta, alfa y beta, así como también los movimientos oculares. Estos datos son convertidos en ondas sonoras y transmitidos a través de cinco altavoces que actúan como soporte de los cuencos de agua que se ven en el video.
De acuerdo a los patrones cerebrales enviados por Lisa a cada audífono, el agua realiza distintos movimientos, los cuales se diferencian por el tipo de emoción que intenta transmitir la artista en cada envío, tristeza, ira, odio, deseo o felicidad.
La performance artística de nombre "Eunoia", que en griego significa "pensamiento hermoso", mide las frecuencias cerebrales de Lisa en relación a su estado de conciencia, en el momento exacto en que las utiliza.
El procesamiento de la información también se realiza en tiempo real y es convertido a través de Max/MSP (entorno visual de programación para aplicaciones musicales) a sonidos generados con Reaktor (software para el diseño y creación de instrumentos digitales).

Ver en Vimeo
http://vimeo.com/65175792

Fuente: http://www.fayerwayer.com/2013/06/artista-controla-agua-y-sonidos-a-traves-de-ondas-cerebrales/

Un Estudio Describe Stonehenge Como Un Centro De Instrumentos Musicales De Piedra

Según un estudio reciente, el conjunto megalítico de Stonehenge pudo haber sido sido un centro musical, pues sus bloques de piedra suenan como un xilófono gigante, algo que podría explicar el traslado de piedras para su construcción desde lejos.

Los sonidos producidos por las piedras, conocidas como litófonos, pueden variar emulando sonidos de metal y hasta la resonancia de la madera. Expertos británicos han comprobado que los monolitos llamados 'Piedras azules' de Stonhenge son litófonos cuando se las 'toca' con martillos de piedra.

Los investigadores conjeturan que las piedras de la zona de Mynydd Y Preseli, de donde provienen las 'Piedras azules' de Stonhenge, tienen estas características acústicas especiales, algo que explicaría las numerosas construcciones neolíticas en la zona.

A pesar de que las propiedades acústicas de Stonhenge pudieron quedar dañadas por el concreto con que fueron cubiertas las piedras durante las obras de restauración en la década de los 50, los expertos lograron grabar ruidos, que -según ellos- suenan como campanas, percusiones y gongs.

También encontraron evidencias de que algunas piedras ya habían sido 'golpeadas' antes, es decir, que posiblemente pudieron ser usadas como un instrumento musical. Las distintas partes de diferentes de piedras suenan de manera distinta, convirtiéndose en una especie de 'xilófono'.

De acuerdo con ellos, los ruidos emitidos por otros litófonos en la zona pueden oírse desde lejos, así que pudieron ser usadas como medio de comunicación en tiempos remotos o en rituales. Algunas piedras similares eran usadas como campanas hasta el siglo XVIII en áreas cercanas.
 
Según los arqueólogos, es probable que ésta sea la razón por la cual los constructores prehistóricos de Stonehenge transportaron los monolitos desde Preseli, a 200 kilómetros de la construcción, a pesar de que en la zona donde se ubica Stonhenge hay suficientes piedras para la construcción

¿Puede La Música De Bach Traducirse A Colores? Los Científicos Estudian La Sinestesia

Los conciertos rápidos en clave mayor son colores saturados y brillantes, rojo y amarillo; las piezas lentas son colores oscuros y tendiendo al azul. Esto al menso en el caso de Bach. El contexto es un experimento de Stephen Palmer, científico de la Universidad de California en Berkley, quien afirma que pueden “predecir con 95% de precision qué tan felices o tristes serán las elecciones de color de la gente según lo feliz o triste que sea la música.”

Muchos dirán que la experiencia de apreciación musical es altamente subjetiva –pero Palmer realizó un experimento con casi 100 personas (la mitad de San Francisco, EU, y la mitad de Guadalajara, México), donde se les pedía elegir cinco colores de una paleta de 37 colores y que los asociaran al sentimiento que tenían al escuchar una de las 18 piezas de música clásica que los investigadores les pusieron para escuchar.

La gente de ambos países asoció los colores brillantes y cálidos al tempo rápido y alegre, mientras que eligieron sistemáticamente colores más oscuros para piezas en clave menor, comúnmente asociadas a emociones tristes. Estas conexiones, dice Palmer, es resultado de que “el cerebro utilizará la emoción como base para una elección de color. La música activa alguna representación de la emoción en cualquier parte del cerebro que esté codificando la emoción.”

El experimento se ha repetido en más de 34 géneros musicales, del hip hop, al blues, al heavy metal, con resultados similares. El próximo paso es utilizar música turca, la cual tiene escalas diferentes que las escalas mayor y menor de la música occidental, para ver si la gente en EU responde con las mismas asociaciones de velocidad y color a las canciones tradicionales de Turquía. Los resultados pretenden ser usados en terapias no invasivas y en la publicidad, además de entender a la gente que experimenta sinestesia –esto es, la gente que escucha colores o siente sabores cuando escucha sonidos.

A continuación algunas piezas de J. S. Bach utilizadas en el experimento de Palmer así como las paletas de colores elegidas por los participantes en cada caso, ¿elegirías las mismas?

Fuente:http://pijamasurf.com/2013/05/puede-la-musica-de-bach-traducirse-a-colores-los-cientificos-estudian-la-sinestesia/ 

“La Música Puede Sanar Células Enfermas”. Entrevista Al Músico Y Acupuntor Fabien Maman

Aunque escuchamos todo el día canciones enlatadas y la música es omnipresente en el mundo actual, la mayoría de nosotros no nos podemos ni imaginar el gran poder del sonido sobre la materia y sobre nuestra vida.
Esta entrevista a Fabien Maman, músico profesional y acupuntor, nos habla de vibración y campo de energía, de armónicos, de diapasones curativos, música según las estaciones del año, de instrumentos y órganos del cuerpo, … y nos abre la puerta a un mundo fascinante que en próximos posts irá desvelando uno de nuestros dos compañeros músicos, Karolus.
Del Sr. Mann y del físico-budista Allan Wallace también he aprendido la importancia de la formación ecléctica, de abrir la mente a nuevos conocimientos (aunque la sociedad los ridiculice por no comprenderlos) y de fusionar sabiduría de distintas culturas y épocas.
Ojalá, poco a poco, la Buena Música sane con sus ondas nuestro mundo.

Usted tenía un quinteto…
¡Qué época! Actuamos en el Carnegie Hall, la Filarmónica de Berlín, el Olympia de París, la Ópera de Tokio… Fue precisamente por un incidente en Japón como descubrí la acupuntura.
¿Qué pasó?El avión llegó con mucho retraso, faltaban pocas horas para salir a escena y todos los músicos estaban agotados. Se me ocurrió buscar un acupuntor para que nos tratara.
¿Y?Me cambió la vida. En 20 minutos estábamos todos en forma e hicimos un concierto extraordinario, así que decidí aprender acupuntura para tratar a mis músicos. Creía que con un cursillo de un mes el tema estaba listo, pero invertí media vida.
Es estupendo entusiasmarse.
Lo es. Yo me entusiasmé tanto que tras siete años de estudio con Boris de Bardo, fundador del College of Naturopathy and Acupunture, y una vez licenciado en acupuntura, en 1978, me fui a seguir estudiando con Sensei Nakazono, el maestro que dio a conocer en Occidente la ciencia del sonido puro. Diez años más tarde fundé la Academia del Sonido, Color y Movimiento.
¿Qué enseña?Enseño e investigo el poder de la música en el cuerpo. El diapasón es una herramienta muy efectiva en el diagnóstico y tratamiento de enfermedades.
¿Cómo actúa?Los diapasones actúan como las agujas de acupuntura. A través del punto de acupuntura las vibraciones llegan por el meridiano hasta el órgano, igual que la aguja, pero más rápido y con mucha más potencia.
¿Cuáles han sido sus investigaciones?
Aparte de 20 años de experiencia con pacientes, he realizado un trabajo de investigación con Hélène Grimal, bióloga del centro de investigación de la Universidad de Jussieu de París. Durante un año estuvimos estudiando el efecto del sonido en las células humanas. Hemos fotografiado los cambios celulares que se producen bajo la influencia del sonido, de todas las notas, formas musicales e instrumentos. Fíjese en esto.
¿Qué es?
Una serie de fotografías de células cancerígenas, las que afectan a la matriz. Al ser sometidas a disonancias se destruyen.
¿Todo es una cuestión de energía?
Sí, la vibración sonora crea un campo de energía. Pero no es algo nuevo o extraño. Los teléfonos móviles funcionan a base de campos de energía. Esos campos se crean a través de los satélites. En Francia mi teléfono funciona, pero cuando voy a Estados Unidos no lo hace a no ser que cambie de campo de energía, es decir, de satélite. Esos campos de energía son invisibles, son lo que llamamos la energía etérica.
Entonces, ¿la música nos transforma?
Sí, la vibración de la música entra dentro de ti y te transforma igual que lo hace el Sol. De hecho, la distancia entre la Tierra y cualquier planeta de esta u otra galaxia se mide en distancias armónicas.
¿…?
La distancia armónica se obtiene con un radar que capta la vibración sonora entre, por ejemplo, la Tierra y la Luna. Cuando hacemos música con instrumentos acústicos esta energía viva produce armónicos y esos armónicos comunican con todas las frecuencias y todo el universo
¿Los armónicos afectan a nuestra vida cotidiana?
Influyen sobre la materia, los vegetales, animales y minerales: sobre todo lo vivo. Con un microscopio es fácilmente visible: según la vibración que emites, las células cambian de forma y de color.
¿Mejor cuidar lo que escuchas?
Si escuchamos la música adecuada en el tono adecuado a las estaciones nos sentimos mucho más saludables psíquica y físicamente. Ahora, en primavera, le recomiendo la tonalidad de la; por ejemplo, el concierto de Mozart en La Mayor. En verano, do -Concierto para piano y orquesta en do de Beethoven-. Para otoño, sol; y para invierno, re.
¿Y los instrumentos?
En primavera, flauta de madera; en verano, cuerda; en otoño, metálicos… Si escucha el timbre adecuado y la tonalidad correcta en cada estación, verá como su vida se armoniza y tiene más energía. Cada instrumento conecta con un órgano del cuerpo.
¿Qué efecto tienen los tambores?
Están vinculados con los riñones, los refuerzan. Las cuerdas, violines y guitarras fortalecen el corazón. Todo lo que es metálico estimula los pulmones. Las flautas de madera son buenas para el hígado. Le propongo un sencillo experimento.
Usted dirá.
Vaya a un concierto, cierre los ojos y observe por ejemplo dónde siente los tambores, verá claramente que los siente en los riñones. Cuando oiga el chelo percibirá como el corazón se armoniza, y cuando oiga instrumentos metálicos o de viento observará que sus pulmones se ensanchan.
¿Y cuál es el efecto de la música enlatada?
Pierde el 50% de los armónicos, que son los que penetran y los que curan. Escuche música en vivo, cuanta más mejor, porque nutre. Y si escucha música en casa, evite los instrumentos eléctricos y los sintetizadores.
¿Hay música poco saludable?
La música electrónica o demasiado alta desorganiza el campo energético. Fíjese que los adolescentes cuando salen de las discotecas están pálidos y algo desorientados. Su campo magnético permanecerá alterado durante varias horas.

Fuente:  http://www.elblogalternativo.com/2009/01/25/la-musica-puede-sanar-celulas-enfermas-entrevista-al-musico-y-acupuntor-fabien-maman/

Bajan La Velocidad De La Grabación De Unos Grillos Cantando Y Revelan Un Coro Angelical, Casi Humano. Extraordinario!

Otro maravilloso secreto de la naturaleza revelado. Increíbles melodías angelicales se esconden detrás del canto de los grillos. Otra razón más para dejarse mecer por los sonidos de la naturaleza. Nunca escucharás igual al canto de los grillos después de esto.

Luz Arcoiris

El compositor Jim Wilson, grabó el sonido de unos grillos y luego bajó la velocidad de la grabación, revelando algo simplemente increíble. Los grillos suenan como si estuvieran cantando el estribillo más angelical en perfecta armonía. Aunque suena como voces humanas , todo lo que se escucha en la grabación son los propios grillos.

La grabación contiene dos pistas reproducidas al mismo tiempo : La primera es el sonido natural de los grillos  a una velocidad normal , y la segunda es la versión más lenta con las voces de los grillos .

“Descubrí que cuando reducía la velocidad de la grabación a diferentes niveles , comenzaba a transformarse en algo sumamente místico y complejo …….. casi humano . “

¿Quién hubiera pensado …?

( TruthSeekerDaily )

Esta es la opinión de Tom Waits ( en Jim Wilson) : . . ” Wilson, él siempre juega con el tiempo. Escuché una grabación reciente de grillos en la que baja la velocidad a una muy lenta. Suena como un coro,  suena como el ángel de la música. Algo brillante , celestial con plena armonía y  algunas partes de bajo . – . . no lo creerías,  es como un coro bajado del cielo, y sólo lo ralentizó , no manipuló la cinta. Así que creo que cuando Wilson le baja la velocidad a la gente, te da la oportunidad de observarlos en movimiento a través del espacio . Y hay mucho que decir sobre ralentizar el mundo ” .

Otros comentarios: “Probablemente la cosa más hermosa que escucharás en mucho tiempo . Hay sólo belleza a nuestro alrededor , sólo se necesita a la gente adecuada para descubrirlo . No tengo nada más que añadir con mis torpes palabras :  sólo tienes que darle play y tomarte  cinco minutos para realmente escuchar”. 

La grabación original se remonta a un CD editado en 1992 por Jim Wilson llamado God´s Chorus of  Cricket´s  , parte de la cual terminó  convirtiéndose en una canción del mismo año, llamada “Twisted Hair” (Balada del pelo trenzado) , que produjo Wilson.

Aquí está una vieja entrevista vía “Hearing Voices” con Alex Chadwick de “Day by Day” que introduce al artista / compositor , Jim Wilson y explica cómo la grabación llegó al artista de la discográfica de Robert Robertson . También explica cómo la cantante de ópera Bonnie Jo Hunt fue llamada por Robbie Robertson y Jim Wilson para añadir algo de acompañamiento humano al impresionante coro que Wilson había descubierto al desacelerar y bajar el tono de la grabación. Una petición extraña , pero esta fue la reacción de la cantante Hunt al escuchar la grabación original .

HUNT : Yo viajo mucho debido a nuestra organización sin fines de lucro . Trabajamos con  niños para la superación personal. Así que yo estoy fuera  gran parte del tiempo. Y tenía unos mensajes diciendo que Robbie Robertson quería ponerse en contacto conmigo. Así que nos fuimos al estudio . Él dijo, “Quiero que hagas lo que te apetezca con esto . Estos son los grillos ” . Así que pensé, oh , Dios mío . ¿Estoy aquí para acompañar a unos grillos?

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HUNT : Y cuando los escuché , estaba tan avergonzada de mí misma , estaba tan humillada,  yo no les había tenido el suficiente respeto . Jim Wilson grabó grillos en su patio trasero , y lo trajo al estudio. Después  bajó y bajó y bajó la velocidad . Sonaba exactamente igual que un coro de la iglesia bien entrenado . Y no sólo eso, sino que me sonaba como si estuvieran cantando en escala de ocho tonos. Comenzaron en tono bajo , y luego hubo  lo que yo llamaría , en términos musicales , un interludio , y luego otra parte del coro , y luego un intervalo y otro coro . Siguieron subiendo más y más .

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HUNT : Cantaban con palabras de grillos . Me quedé pensando , ‘”Casi los puedo entender. Es maravilloso , el tono es suave.” Y nunca se fueron de tono hasta  uno de los interludios , donde se volvieron un poco locos y luego volvieron de nuevo a donde estaban . Y sé que la gente no sabe que están escuchando grillos , a menos que se les diga que eso es lo que es.

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ROBBIE ROBERTSON ( artista de la discográfica ) : Esto es lo que es. Es un río . Es un canto . Es la historia la sanación . Es lo que sucedió hace mucho tiempo. Es un cordón dentro del cinturón de la historia . Es lo que se ha olvidado. Es el olor de la hierba dulce y el cedro. Oraciones enviadas al Padre Cielo . Es un camino , una tradición. La forma en la que siempre se ha hecho. Es una cálida sensación. Es el sonido de nuestras voces. Escucha, estoy bailando debajo de ti .

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Aquí está Tom Waits hablando en una entrevista con él mismo :

P : Es una de las grabaciones más hermosas que posees?

R: Es una  hermosa y misteriosa grabación del sello de Robbie Robertson. Es de los grillos . Así es, los grillos, la primera vez que la escuché … juré que estaba escuchando el coro de los niños cantores de Viena , o el coro del Tabernáculo Mormón . Cuenta con una armonía de cuatro partes , es un coro que te esta meciendo . Entonces una voz llega a través de la cinta y dice: “Lo que está escuchando es el sonido de los grillos . Lo único que se ha manipulado es que ralentizaron la cinta. ” No hay efectos  de ningún tipo , excepto que se cambió la velocidad de la cinta. El sonido es tan inquietante . Cuando se lo di a escuchar a Charlie Musselwhite , me miró como si yo hubiera sacado un duende de mi bolsillo .

MP3: “God’s Cricket Chorus” (sample) de God’s Cricket Chorus, una versión extendida y digitalmente remezclada y masterizadada, tomada de la grabación original de 1992 titulada “Ballad of the Twisted Hair” del album “Medicine Songs” de David Carson y Little Wolf Band producida por Jim Wilson y lanzada por Raven Records.

Puedes conseguir una copia de la grabación ,  “God’s Cricket Chrous” aquí .
Traducido al español y editado por : Luz Arcoiris

Fuente: http://luzarcoiris.wordpress.com/2013/11/25/bajan-la-velocidad-de-una-grabacion-de-grillos-cantando-y-revelan-un-coro-angelical-casi-humano-extraordinario/

¿Dormir Con Música? ¿Cuál Es El Efecto Del Sonido Sobre El Sueño?

Recientemente se hizo una investigación sobre el impacto de las ondas sonoras en la profundidad del sueño.

Un reciente estudio demostró que ciertas ondas de sonido incrementan la profundidad del sueño.

Investigadores alemanes reclutaron 11 sujetos para pasar dos noches en en laboratorio del sueño.

Durante una noche, cuando los participantes estaban a punto de dormir, los investigadores pusieron sonidos “ruido rosa” que estaban sincronizados con sus ritmos cerebrales. Como control del experimento, la noche los pacientes no escucharon nada.

Otra parte del experimento fue mostrar a los pacientes 120 pares de palabras cada noche antes de dormir. Cuando los voluntarios despertaron se les preguntó cuántos pares de palabras recordaban.

El ruido rosa prolongó el sueño profundo e incrementó el tamaño de las ondas cerebrales durante ese periodo.

Las ondas cerebrales lentas que caracterizan el sueño profundo implican formación de la memoria y procesamiento de la información. Cuando los voluntarios tuvieron mayor profundidad en su sueño, mostraron recordar un mayor número de palabras.

La clave aquí es que la frecuencia de sonidos estaba sincronizada con las ondas cerebrales de los sujetos. Aunque todavía falta desarrollar esta técnica, tiene potencial para mejorar la calidad del sueño, y posiblemente incrementar la actividad cerebral mientras estamos despiertos.

Fuente: http://www.mamanatural.com.mx/2013/04/%c2%bfdormir-con-musica-%c2%bfcual-es-el-efecto-del-sonido-sobre-el-sueno/

Consejos Para Afinar Tu Oído Musical

• Consejos para afinar tu oído musical (y así enriquecer tu vida) / 
• A lo largo de la historia compositores musicales de notable relevancia, como el alemán Robert Schuman, sugerían a los principiantes algunas premisas para “educar el oído”. Pero, ¿qué implica una actividad como esta? El libro Music: Ways of Listening, el cuál se ha convertido en un clásico sobre el tema, explica las distintas vías prácticas, en su mayor parte enfocadas en el desarrollo de la atención, para mejorar la escucha y el disfrute de la música.

  Aprender a escuchar música podría parecer una habilidad nata, la cual únicamente requiere de nuestra presencia física en un contexto musical. Pero, escuchar realmente, demanda un cierto entrenamiento que aumenten nuestra sensibilidad auditiva. A continuación algunos consejos incluidos en esta obra:

  1. Tratar de escuchar estéticamente todos los sonidos: disfrutar con atención los sonidos del ambiente, te permitirá que cualquier manifestación sonora, por ejemplo un claxon, pueda ser significativa y expresiva – incluso armónica y bella.

  2. Desarrolla un sentido del tiempo en la estructura de la obra: las canciones tiene una disposición particular, aprender a ubicar sus distintos momentos es importante.

  3. Desarrolla tu memoria musical: tratar de recordar patrones musicales en la misma canción te ayudará a entender las composiciones.

  4. Para estudiar y leer sobre música deberás aprender algunos conceptos técnicos que te ayudarán a comprender ciertas piezas.

  5. Desarrolla la concentración musical: En piezas largas trata de encontrar momentos referenciales que te ayuden a comprender en qué lugar de la canción estás.

  6. Intenta escuchar objetivamente y sin pasiones: concéntrate en lo que está ahí y no en lo que quieres que esté.

  7. Escucha englobando tu conocimiento: cuando escuches una pieza remítete a su contexto social, económico e histórico –esto enriquecerá la experiencia.

  Es importante escuchar la música prescindiendo de expectativas y con oídos “frescos”. También resulta práctico eliminar nuestros prejuicios ante los distintos géneros musicales, y recordar que aquellas piezas o estilos que en algún momento nos desagradaban podrían gustarnos en otras etapas de la vida.

  Dedicar tiempo a escuchar música prescindiendo de actividades paralelas, puede ayudarnos a centrar nuestra atención en los estímulos del presente. En resumen, la focalización de nuestra atención y una actitud abierta para percibir con mayor nitidez, son la clave de una experiencia musical más enriquecedora, que indudablemente repercutirá de manera positiva en otros aspectos de tu vida. Recordemos la advertencia de Platón al respecto: “La música es para el alma lo que la gimnasia para el cuerpo”.

¿A Qué Suena Una Aurora Boreal? (Sinestesia Celestial: Escuchando Luces En El Cielo)

“La música es la aritmética de los sonidos,

al igual que la óptica es la geometría de la luz”

Claude Debussy

Las auroras boreales son un fenómeno meteorológico que generalmente asociamos con una sublime exquisitez óptica. Sin embargo, esta vez me toca presentarles una especie de oximoron sensorial durante el cual nos acercaremos a estos fantasmas policromáticos del cielo desde una perspectiva sonora. Entre la hipnósis sónica y el mantra fotónico, el sonido de las auoras registrado en diversas provincias de Canadá sugiere la apertura de portales hacia poéticos destinos –entre los que no podríamos descartar una ilusoria estetica divina o la locura fonética del canto de las sirenas.  

Las auoras boreales emergen particularmente en altas latitudes a partir del choque entre partículas energéticamente cargadas y átomos de la termósfera. Estas partículas se originan ya sea en la magnetósfera, los vientos solares, o la propia Tierra, y son conducidas hacia la atmósfera a través de los campos magnéticos de nuestro planeta. El nombre de este fenómeno se debe a Aurora, la diosa romana del amanecer, mientras que en la mitología escandinava se asocian a las Valkryor, vírgenes guerreras ataviadas con armaduras que al galopar sobre sus fastuosos corceles van despidiendo chispas que iluminan la bóveda celeste. 

A continuación escucharemos un audio grabado en 1996 por Stephen P. McGreevy, dentro del proyecto Natural Radio, que transmite el sonido de una aurora boreal registrada en Manitoba, Canadá. La grabación se realizó utilizando un equipo McGreevy WR-3, con un receptor WR-4b E-Field VLF, y una antena vertical de tres metros.

El procedimiento de grabación consiste básicamente en captar las ondas electromagnéticas de radio que permanentemente está emitiendo la Tierra –particularmente durante una tormenta, la presencia de una aurora, o a lo largo del campo electromagnético de nuestro planeta. Sin embargo, a diferencia de las ondas de sonido que corresponden a la vibración de una molécula de aire y por ello las podemos captar directamente con nuestros oídos, las ondas de radio en la naturaleza surgen de la vibración de ondas electromagnéticas que, a pesar de transmitirse en la misma frecuencia que el sonido, no pueden percibirse sin ser convertidas por un receptor ELF-VLF. 

Según McGreevy esta grabación, la cual considera como una de sus favoritas y que corresponde a la aurora de la siguiente fotografía, respresenta una hipnótica secuencia coral. En lo personal el sonido documentado me remite a una inquieta efervescencia que advierte la gestación de un suceso relevante, quizá de una epifanía o un clímax estético –como un amanecer viéndose al espejo, percibiendo su alma invertida (as above, so below). Resulta increíble la armonica complejidad de sonidos que, atravesando orgía de texturas sonoras, termina por desdoblarse en ecos orquestados de acuerdo a una confusa y casi impenetrable perfección. 

 

Manitoba, Ca. 30 de Agosto, 1996, 1652 UTC 

La siguiente es una grabación registrada un año antes en Alaska. Una vez más nos encontramos con texturas aparentemente caóticas –aunque seguramente tienen acceso a un orden tan sofisticado que no podemos acceder razonando lo que nuestros oídos captan. Un exuberante poema que la Tierra se recita así misma, tal vez una especie de mantra micro-sensorial que mapea un estado de animo geológico… 

Fairbanks, Alaska. 1995

Fuente: http://pijamasurf.com/2012/05/a-que-suena-una-aurora-boreal-sinestesia-celestial-escuchando-luces-en-el-cielo/

Si Un Amigo Superara Su Sordera Y Escuchara Musica Por Primera Vez, ¿Qué Le Recomendarías Escuchar?

“Sin música la vida sería un error”, reza la conocida frase de Friedrich Nietzsche. Y en efecto: sin música, es probable que el mundo fuera el mismo lugar doloroso, triste y trágico que es, pero también sería mucho menos llevadero. O, por el contrario, sería ese lugar alegre y placentero que también es, pero quizá mucho menos estimulante.

Pero de alguna manera tampoco hace falta realizar sesudos ejercicios de imaginación para representarnos ese mundo donde la música jamás fue descubierta o inventada. Ahí están, para desgracia nuestra y suya, las personas sordas que nunca sabrán a qué suenan Mozart o The Beatles, Joy Division, Röyksopp, la música  tradicional de cada región o incluso esa música aleatoria que un oído atento puede percibir dondequiera que se encuentre.

Recientemente un usuario de la red social Reedit, deafstoryteller, planteó una pregunta que por sus circunstancias personales causó un gran impacto y, además, reveló otro de los rasgos esenciales de la música: su capacidad para domar a las bestias y conmover aun a las piedras, para, en suma, sacar lo poco o mucho que de mejor existe en el ser humano.  ”Puedo escuchar música por primera vez, ¿qué debería escuchar?” (“I can hear music for the first time ever, what should I listen to?”), preguntó deafstoryteller.

Se trata de un joven que nació “profundamente sordo” (según cuenta él mismo) y solo hasta hace unos días, siendo ya un joven, recuperó el sentido del oído gracias a un implante. Lo primero que escuchó fue el sonido de sus zapatos contra la alfombra del consultorio médico donde se encontraba. Pero para el mundo un tanto más refinado de la música, deseaba llegar por una puerta mucho menos mundana. 

“Toda mi vida vi personas que escuchaban haciendo el ridículo cantando su canción favorita o girando en la pista de baile. También vi personas que escuchaban conmovidas hasta las lágrimas por una sola canción. Eso fue para mí lo más difícil de comprender”, relata el joven.

Una vez con su implante, un grupo de amigos cercanos, como hierofantes de un culto secreto y reservado, condujeron su iniciación musical, llevándolo de la mano de los Rolling Stones, Michael Jackson, Sigur Ros, Radiohead, Elvis y otras tantas leyendas de este universo. Pero su recién adquirida habilidad todavía se mostró torpe y de alguna manera insuficiente para navegar en tan vasto caudal. Hasta que Mozart acudió en su auxilio.

Cuando la Lacrimosa de Mozart llegó, quedé impresionado por su belleza. En un punto de la canción, me sonó como si los ángeles cantaran y súbitamente me di cuenta de que esta era la primera vez que podía apreciar la música. Las lágrimas corrieron por mi cara e intenté esconderlas. Pero cuando miré alrededor vi que no había un solo ojo seco en el auto.

Finalmente entendí el poder de la música.

En este punto poco podría agregarse. El poder de la música es justo ese: acercarnos al borde donde el lenguaje se revela insuficiente y no queda más que decir, como Hamlet, que el resto es silencio. 

Si acaso vale la pena reseñar que en la pregunta de Reedit, deafstoryteller ha recibido más de 14 mil respuestas. 

Si un amigo superara su sordera y escuchara musica por primera vez, ¿tú qué le recomendarías escuchar?

Fuente: http://pijamasurf.com/2012/08/si-un-amigo-superara-su-sordera-y-escuchara-musica-por-primera-vez-que-le-recomendarias-escuchar/

Sonidos Captados Por La Sonda Voyager 1 En El Espacio

Todo parece indicar que efectivamente el 25 agosto de 2012 el ser humano puso una huella fuera del Sistema Solar y comenzó, con ello, la era de los viajes interestelares. 

Después de casi 35 años de viaje, la sonda espacial robótica Voyager 1, lanzada al espacio el 5 de septiembre de 1977, durante la presidencia de Jimmy Carter en los Estados Unidos, ha dejado atrás la heliósfera, es decir, el sistema solar o la región que se encuentra bajo la influencia del viento solar y el campo magnético del sol, para incursionar en el espacio interestelar. 

Imagen NASA

Durante un año de intenso análisis los científicos de la NASA evaluaron la información que la sonda robótica mandó a la tierra al momento en que pasaba a través de una nueva y única región en las afueras del sistema solar

La discusión se centró en si efectivamente Voyager 1 pasaba la helipausa, es decir, la frontera entre la heliósfera y  el espacio interestelar. De acuerdo con la información analizada.el 25 de agosto de 2012, la sonda registró un abrupto y duradero cambio en la densidad de las partículas energéticas por las que iba cruzando. 

Los científicos de la NASA evaluaron la información que mandó el Voyager 1 a lo largo de 12 meses y concluyeron que éste cambio en la densidad de las partículas significó no sólo la entrada a la super-carretera magnética, sino la el espacio interestelar. 

Imagen NASA

De acuerdo con la NASA, la misión del Voyager 1 en el espacio durará 7 años más, ya que el satélite sólo tiene energía para poder seguir mandando información a la Tierra hasta el año 2020. 

El Voyager 1 ha viajado 126 (AUs) Unidades Astronómica (17.47 horas a la velocidad de la luz),  mide 20 mts, pesa 773 kg y viaja a un velocidad calculada en 17 kilómetros por segundo, es decir 61 mil km/h. Se encuentra a una altitud de 72º 12’; el acimut 229º 53’ hacia la constelación de Ophiuchus.  

 Sonidos del espacio interestelar :