El Palau De Les Arts Es Una Ruina

CARLOS AIMEUR. 30/12/2013 De cómo la Torre de Telecomunicaciones se convirtió en la décima maravilla del mundo y después en una ruina, o historia íntima del edificio más caro y problemático de la Ciudad de las Artes

VALENCIA. El viernes 7 de octubre de 2005 fue un día soleado. Lorin Maazel, recién llegado para la inauguración del Palau de les Arts, aseguró que el edificio era "una maravilla arquitectónica", que iba a ser "una referencia mundial" y que, además, se iba a convertir en "la décima maravilla del mundo". A su lado, Santiago Calatrava, risueño, aseguraba sentir sorpresa y humildad ante el edificio. Y como si fuera una premonición dijo: "La gente cree que los arquitectos tenemos en la cabeza todo, pero no es cierto. Hay cosas que no prevemos".
Ocho años después sus palabras suenan proféticas. Esta es la cronología del edificio maldito, cuyo coste de mantenimiento anual (seguridad, luz y limpieza) supera los tres millones de euros, y que nació para ser Torre de Telecomunicaciones y se ha convertido en un quebradero de cabeza. El desprendimiento del trencadís que lo recubre ha obligado a cerrarlo. Este domingo un técnico del complejo resumía la situación de un modo telegráfico: "Valencia se puede permitir una temporada de ópera, pero no se puede permitir un edificio como éste".
ENERO DE 1991: NACE LA TORRE
El jefe del Consell, Joan Lerma, le encarga al joven y prometedor arquitecto Santiago Calatrava (entonces tenía cuarenta años) que diseñe un complejo urbanístico en el que destacarían un cine hemisférico, un museo de la ciencia y una torre de Telecomunicaciones de 382 metros de altura, la tercera más alta del mundo.
FEBRERO DE 1995: SE FIRMA EL CONTRATO
Aurelio Martínez, el actual presidente de la Fundación del Valencia C.F., estaba al frente de la empresa pública València, Ciència i Comunicació, SA, algo así como la matriz de la actual CACSA. Firmó con Dragados y Construcciones y Cubiertas y MZOV (Acciona a partir de 1997 tras la fusión con Entrecanales y Távora) el contrato para la ejecución de la Torre de Telecomunicaciones. El presupuesto ascendía a 14.026 millones de pesetas, 84,3 millones de euros. Con el IVA, 97 millones de euros. Desde la derecha valenciana se criticó su elevado coste. Desde el PP se aseguraba que si ese partido llegaba a la Generalitat la torre no se haría y se sustituiría por una construcción más económica. El coste final del Palau de les Arts ha sido de 478,5 millones de euros.
NOVIEMBRE DE 1996: MUERE LA TORRE, NACE EL PALAU DE LES ARTS
València, Ciència i Comunicació SA no existía ya. Había sido sustituida por CACSA. Lerma ya no estaba de presidente. En su lugar estaba Eduardo Zaplana, natural de Cartagena, alcalde de Benidorm. Al frente de CACSA se hallaba Miguel Navarro. Ya se habían ejecutado trabajos de cimentación pero la Torre no convencía. Entre los motivos, que supuestamente iba a interferir el tráfico aéreo de Valencia. Los arquitectos de la Generalitat hicieron un nuevo proyecto. No gustó.
Se le encargó a Calatrava un edificio que se llamaría Palacio de las Artes, así, en castellano. Se hizo una nueva presentación del proyecto en el IVAM. El Palacio de las Artes iba a incluir la primera Escuela de Cinematografía de la Comunidad Valenciana, un centro de Artes Escénicas, un centro valenciano de la Música y la Filmoteca, que además iba a trasladar allí sus archivos. El aspecto físico del edificio era muy diferente al actual. Las cubiertas no iban a estar tapando el edificio, sino que iban a estar abiertas como alas. Desde un lateral, el edificio parecía el casco de Mazinger Z.
OCTUBRE DE 2005: SE INAUGURA, PERO DESPUÉS SE CIERRA
La primera obra del complejo de la Ciudad de las Artes y las Ciencia era la última en inaugurarse. Abría sus puertas tras idas y venidas. Se iba a dedicar en exclusiva a la ópera y el complejo iba a tener como intendente a la austriaca Helga Schmidt. El presupuesto ascendía en esos momentos a 250 millones de euros, según aseguró entonces el vicepresidente económico Gerardo Camps.
Calatrava aseguró en la presentación que aspiraba a que su edificio fuera "un lugar para soñar". Se celebraron cuatro conciertos y el complejo cerró sus puertas. Tenían que terminar la obra. La apertura sirvió para que se descubriera que Calatrava había diseñado un teatro con más de 300 butacas ciegas. Era la primera vez que pasaba con un edificio de nueva planta. Dos años después, en verano, se retiraron las butacas ciegas. La sala principal pasó de 1.750 localidades a las actuales 1.412.

OCTUBRE DE 2006: MEHTA LE PIDE A CALATRAVA QUE ACABE LA OBRA
Después se desdijo, pero el viernes 20 de octubre de 2006 Zubin Mehta estalló. El director indio iba a inaugurar la primera temporada del Palau de les Arts con un Fidelio que fue celebrado como uno de los grandes montajes operísticos de aquel curso. En medio de palabras sobre Beethoven, sobre la ópera, sobre Valencia, Mehta criticó que tres de los cuatro escenarios estuvieran cerrados. "Los necesitamos".
Calatrava montó en cólera. Una semana después Calatrava acudía a la inauguración, pedía paciencia y recordaba que el complejo había albergado dos estrenos de cine, unos premios de moda y un acto del PP. Eran las primeras tiranteces entre el arquitecto y la Generalitat popular. 
DICIEMBRE DE 2006: SE CIERRA POR ACCIDENTE
38 días después de la apertura de su primera temporada oficial el Palau de les Arts cerraba sus puertas por el primero de sus tres incidentes graves. La plataforma móvil del escenario principal se había quedado atascada en el fondo con el decorado de Don Giovanni ya colocado. Uno de los cuatro motores de la plataforma se averió y se quedó quieto. Durante 20 segundos la plataforma siguió subiendo hasta que se paró. 
Se tuvo que cancelar una representación de La Bohème. El incidente desveló que los trabajadores habían realizado parones para protestar por las medidas de seguridad. Un parche de última hora y la habilidad del director de escena, Jonathan Miller, permitieron salvar las representaciones de Don Giovanni. Durante la rueda de prensa de presentación del montaje, el británico dijo una frase inolvidable. Estaba convencido de que sería un éxito porque algunos de sus mejores trabajos habían sido "en teatros en ruinas". Cinco años y un mes después, en enero de 2012, se repuso el montaje tal y como lo había diseñado Miller, quien aprovechó la ocasión para criticar al teatro y a su público. 
OCTUBRE DE 2007: EL PALAU DE LES ARTS SE INUNDA
La noche del 11 al 12 de octubre de 2007 el Palau de les Arts se inundó por causa de unas lluvias torrenciales. Los daños ascendieron a 16,7 millones de euros, según el fondo de compensación de seguros. El agua penetró por todos lados, anegó las plantas inferiores del complejo, talleres, escaleras, sótanos. El inicio de la temporada se tuvo que aplazar al 6 de noviembre. Se cancelaron las representaciones de la ópera 1984 de Lorin Maazel. Se aplazaron las de Carmen, de Bizet, que iba a inaugurar el curso.
Desde el estudio de Calatrava se culpó al Ayuntamiento de Valencia por unas obras que estaba realizando en un jardín próximo, que habían hecho que el agua se dirigiera toda hacia el edificio. Rita Barberá llegó a mostrar fotos que eran, según ella, prueba inequívoca de que el jardín del consistorio no tenía nada que ver. El 6 de noviembre se inauguraba por fin la temporada con Carmen. Calatrava acudió como invitado junto a Barberá y el entonces presidente de la Generalitat, Francisco Camps. A consecuencia de la inundación la sala Martín y Soler tuvo que retrasar su apertura.
DICIEMBRE DE 2007: SE INAUGURA EL AUDITORIO, INCOMPLETO
El 23 de diciembre de 2007 Francisco Camps presidió el Concierto de Navidad que inauguraba el Auditorio Superior del coliseo, acompañado de la entonces consellera de Cultura, Trinidad Miró. Un gran mural de Calatrava dominaba la sala. 
El Auditorio Superior ya había albergado dos estrenos: Tirant Lo Blanc, de Vicente Aranda, y Los Borgia, de Antonio Hernández. Ambos se realizaron con el proyector en medio del patio de butacas porque a Calatrava se le había olvidado dejar un hueco en el mural para las ventanas de proyección. En verano se tuvo que cerrar durante dos meses sólo para resolver problemas técnicos "menores", según se dijo.
JUNIO DE 2008: SE INAUGURA LA ÚLTIMA SALA
Tres años después de su inauguración, el Palau de les Arts puede decirse que está acabado. Abre sus puertas la sala Martín y Soler, la última en inaugurarse. Allí tiene su sede la Academia de Perfeccionamiento Plácido Domingo, dedicada a los jóvenes cantantes. La apertura es con un espectáculo del Festival del Mediterráneo.
OCTUBRE DE 2008: LAS VISITAS SE ENCUENTRAN GOTERAS
Dentro de su política de abrir las puertas del coliseo a los ciudadanos, la intendente del Palau de les Arts organiza visitas guiadas al auditorio, con tan mala fortuna que el día antes llueve. La sorpresa de las personas que acudían por primera vez al edificio fue considerable, al verlo lleno de charcos producidos por las goteras. Desde el complejo se aseguró que era agua de la lluvia que se había filtrado por el aire acondicionado.
ENERO DE 2013: DENUNCIAN LOS ABOMBAMIENTOS DEL TRENCADÍS
La diputada de Compromís Mónica Oltra es la primera personalidad pública que denuncia algo que era visible a simple vista desde hacía meses: el trencadís del Palau de les Arts se estaba abombando. Hay peligro de desprendimiento.
La primera respuesta que se ofrece desde la Ciudad de las Artes y las Ciencias es negar la evidencia y se sostiene que es un efecto de la luz solar sobre las soldaduras. La Generalitat encarga los primeros informes y tiene ya constancia de que se deberá retirar todo el trencadís. Aún así, a día de hoy, desde el Consell siguen negando esta posibilidad y aseguran que serán los informes técnicos los que determinen que se hará finalmente.

Fuente: http://www.valenciaplaza.com/ver/112586/el-palau-de-les-arts-es-una-ruina.html 

Bono Se Asocia Con Monsanto Y El G8 Para Impulsar Cultivos De Alimentos Genéticamente Modificados En África

La pobreza es, en nuestra época, un componente fundamental del sistema económico imperante, la base sobre la cual se apoya la posibilidad de ganancia y acumulación. En este sentido, los supuestos esfuerzos por los cuales se intenta reducirla o incluso “erradicarla” son casi siempre, cuando surgen del propio sistema, estrategias para disimularla y perpetuarla, cambiarla de lugar o revestirla de otra forma aparente, pero sin nunca realmente tener el propósito de acabar con ella.

En este marco puede encontrarse el “altruismo” que se implementa lo mismo desde el llamado sector privado que el gubernamental o el de organismos supranacionales, políticas caracterizadas como de asistencialismo que pretenden suplir necesidades por medio de la entrega de alguna dádiva.

Este tipo de beneficencia ha sido criticada sobre todo por varios efectos. Primero, la relación de dependencia que se crea entre la población desprotegida y la entidad que otorga la “ayuda”: en esta, no existe realmente una voluntad de transformar la realidad de las personas, sino un poco de mantenerlas en el estado en que se encuentran. Por otro lado, también destaca el hecho de que dicha asistencia casi siempre también es el negocio de alguien más: la pobreza como una suerte de fábrica de donde se obtiene algún provecho económico. En pocas palabras, y en el sentido de lo que decíamos anteriormente, siempre hay alguien a quien le conviene que la pobreza exista.

Recientemente los gobiernos alineados en el llamado G8 —los países con las economías más sólidas del mundo— signaron un programa denominado “Nueva Alianza por la Seguridad Alimentaria y la Nutrición”, enfocado en países africanos donde la pobreza alimentaria es letal y al parecer irreversible.

Sin embargo, como se anuncia desde el mismo nombre, lo que se busca es la “seguridad alimentaria”, un concepto que, grosso modo, busca únicamente que las personas tenga qué comer sin importar de qué tipo de alimentos se trate (en contraste, otras políticas públicas abogan por la autonomía alimentaria: que se favorezcan las condiciones para que una persona o comunidad sea capaz de generar sus propios alimentos, cuidar su calidad y estar consciente de lo que consume).

En el caso de la Nueva Alianza por la Seguridad Alimentaria y la Nutrición, la “seguridad alimentaria” estará dada por empresas de alimentos genéticamente modificados, Monsanto en particular, pero también otras como Diageo, Dupont, Pepsico, Syngenta International e incluso Walmart. Como se ve, una baraja más bien homogénea cuya característica común es la avidez y la codicia a cambio del empobrecimiento de las personas y la destrucción del entorno.

Uno de los adalides de esta campaña, al menos en lo público, es Bono, el conocido vocalista de la banda U2 que desde hace varios años ha destacado mediáticamente como figura insigne de campañas filantrópicas internacionales, arrastrando con su fama pública la aprobación superficial de miles o millones de personas que miran nada más que el nombre célebre y conocido e ignoran lo que ocurre detrás de los discursos y las fotografías del momento.

Para cerrar compartimos una breve reflexión del filósofo Slavoj Žižek, de su libro Vivir en el fin de los tiempos:

Cuando se nos muestran escenas de niños muriendo de hambre en África, con un llamado para que hagamos algo para ayudarlos, el mensaje ideológico subyacente es algo como, “¡No pienses, no politices, olvídate de las verdaderas causas de la pobreza, solo actúa, dona dinero, así no tendrás que pensar!”

Fuente: http://www.ecoosfera.com/2013/07/bono-se-asocia-con-monsanto-y-el-g8-para-impulsar-cultivos-de-alimentos-geneticamente-modificados-en-africa/

25 Preguntas Para Aphex Twin

25 preguntas por Aphex Twin

La pagina esta traducida con un traductor automatico de internet, bastante mal por cierto muchas preguntas y respuestas tiene sque adivinar el sentido que tiene, para quien sepa ingles abajo del post esta el link oddne esta la entrevista en ingles

Richard D. James se ha ido liberando música para casi tanto tiempo como se publica la revista surco . Cuando el 25 aniversario de nuestra revista se acercó a este año, nos enteramos que James estaba a punto de sacar el primer álbum de Aphex Twin en 13 años. Razones suficientes, pensamos, por tratar de una manera diferente de entrevistar a la elusiva Sr. James: pedimos 25 DJs y productores, todos ellos ex estrellas cubierta de surco , para pensar en hacer preguntas. James respondieron todas las preguntas que resulta – además de un comodín adicional – durante una reunión en Londres.

1. Roman Flügel: ¿Cuál fue la primera experiencia musical que realmente te tocó?

"Sonidos de la naturaleza siempre han sido mucho más intensos para mí que la música, especialmente cuando era un niño pequeño. Recuerdo cuando era niño, si corres un gran muro, obtendrá este efecto Flanger. Es sólo un ruido constante, funciona como el viento. Recuerdo de cuando era muy joven. Aún ahora lo oigo, a veces veo una pared y luego oí un ruido de cuando era niño."

2. apparat: ¿por qué sólo pusiste muy pocos registros en los últimos años.

"Sólo porque no necesito hacerlo. He estado haciendo música todo el tiempo, tanto como sea posible, pero soltarlo se pone cada vez más difícil. Porque estoy haciendo tanta música, cada vez que voy a compilar, me rindo después de unas horas, porque es justo tantas cosas y luego me pierdo. Pero ahora estoy en esta modalidad donde estoy escuchando y compilar mucho. Creo que pondrá a un montón de cosas, con suerte".

"He estado haciendo música todo el tiempo, tanto como sea posible, pero soltarlo se pone cada vez más difícil."

¿3. Tim Sweeney: Cómo tiene el proceso de hacer música cambiada con los años para ti?

"Que realmente no ha cambiado. Soy probablemente mejor en el reconocimiento de diferentes Estados de ánimo ahora. Sólo se reconocen qué humor está en y luego hacer las cosas correctas en consecuencia. Hay un momento cuando se siente bien arreglar mi equipo, ordenar mi espacio y conseguir listo para trabajar. Cada hora del día es bueno para ciertas cosas. Imaginación, por ejemplo, siempre es mejor en la noche, así que básicamente después de la medianoche. La mañana, al levantarse, tomar un café – es mejor para terminar las cosas. "

4. mate Galic: ¿Cómo cambió del uso de hardware para uso de software para hacer música – y tal vez vuelta otra vez? ¿Eso ha cambiado la manera de escribir música?

"Este es el tipo de Native Instruments, verdad?. Para mí es Traktor como al principio, pero podrías hacer mucho más con él. Lo haces más complejas pero también más simple. Por ejemplo, tienen estas dos pantallas con las formas de onda. Pero básicamente lo único que necesitas es una pantalla con la forma de onda de las pistas que estás jugando en diferentes colores para que usted puede ponerlos uno encima del otro. A continuación, usted puede mezclar sin siquiera escuchar.

En el nuevo álbum es en realidad todo el hardware. Básicamente no es ninguna computadora en cualquier pista. Tal vez hay algunos plugins y la mitad es secuenciado en el equipo con la otra mitad ser secuenciada con el hardware. Es la razón por la que prefiero trabajar con analogos – para mí es como una cosa matemática cuando vienes a él. Básicamente, un ordenador no distorsión, todo en el ordenador suena perfecto, lo cual es bueno si usted quiere hacer pistas perfectas, pero si no lo haces, entonces estás de atrapado. Por supuesto se puede degustar, puede grabar las cosas y puede crear sonidos, pero prefiero hacer sonidos de sintetizadores.

Yo solía hacer música en un ordenador portátil. Cuando empecé a hacerlo, era casi imposible y me gustó mucho, porque era tan difícil hacer música en un ordenador portátil. Hubo casi no hay programas. Así que puse los programas toegther, la primera que usé fue Max/MSP. No hay realmente ningún plug-in ni nada parecido. Pero me ha gustado. Ahora, es muy fácil.

Pero he hecho recientemente contrató a un programador chino para hacer un programa de música para mí. Está tomando el concepto de mutación en software de música. Das algunos sonidos que hizo el programa y luego te da seis variaciones de lo usted elegir el que más te guste y luego otro hace seis y tipo de sigue tratando de elegir las variaciones por sí mismo. Es un poco así, pero más avanzado, pero básicamente se inicia con un sonido, analiza, luego tiene diferentes versiones de variaciones. Aleatoriza, compara todos ellos a la original y luego lo levanta el mejor de todos. Parece increíble, pero tiene que ser retocado un poco. Voy a seguir con esto. Tengo un libro lleno de ideas para el software y los instrumentos".

5. Richie Hawtin: ¿Crees que crece con estos paisajes están en la punta un poco más aislada de las islas británicas [Cornwall, ed.] allanó el camino para su estilo musical y la pasión de alguna manera permanecer aislados y anónimo?

"Es más raro en la naturaleza. Cuando regresé a Cornwall después que había vivido en Londres, tenía este tipo de fantasía acerca de naturaleza salvaje y hermosa. Y es que, cuando el clima es agradable, pero es probablemente un puto asustando a la naturaleza con el viento, el rayo y esas cosas. y también es alucinante. También creo que este sentimiento de ser aislado ha formado mi perspectiva forastero".

¿6. caribou: eres ambicioso? ¿En caso afirmativo, con qué fines?

"Estoy intentando hacer lo mejor imaginable – que es mi ambición. Y este intento por hacer música. Cuando haces música y escucha, te cambia y luego te da una idea de algo nuevo que hacer. Es un proceso en constante evolución. Cada vez que haces música, si estás en forma, debe ser imágenes de lo que quieres escuchar, que es básicamente lo que quieres ser. "

7. Ben Klock: ¿Crees que algunas de sus canciones más duras o más oscuros o más melancólicos reflejan una parte melancólica o paranoica de ti o hacer sólo proceden de Estados de ánimo momentáneos?

"Creo que todo lo que haces es una parte de ti, pero no necesariamente sale en las cosas que usted hace o sentir al tiempo que la música. Así que usted podría escuchar música someones y sentir estas cosas, pero nunca se sabe acerca de lo que realmente piensan. Eso es lo asombroso acerca de la música – no puede expresar en palabras. Si conoces a alguien muy bien y está jugando un poco de música, eres como: ¡ coño, no habría sabido! "

¿8. Ricardo Villalobos: sobre todo haces música sólo para ti o lo haces por los demás?

"Bueno, la gente entra en tu mente cuando estás haciendo cosas. Tipo de flujo más allá a veces la gente. A veces fijan en una persona. La mayoría del tiempo que no piensas en ello, sólo viene en. La gente sólo viene a la cabeza. Porque cuando estás haciendo música es como meditando, cuando es bueno, cuando eres muy bueno. A veces, si me gusta el sabor de una persona, trato de hacer música, que me imagino que esta persona realmente le gusta. Que es bastante interesante. No ni siquiera creo que quiero jugar con ellos."

"Cuando estás haciendo música, es como meditar, cuando es bueno".

9. François K: como te estás metiendo una fase de su carrera donde estás buscando entre a menudo mucho más jóvenes DJs y productores: ¿te sientes a veces es importante pasar algunas de sus ideas y técnicas a quienes tienen curiosidad acerca de ellos?

"Sí, totalmente, es muy importante, creo. Si la gente quiere saber, no soy protectora ya sobre las ideas. Así, si alguien quiere saber, que está bien. Pero gente que me encuentre, es bastante lejos de donde yo vivo en Escocia (risas). Siempre le digo a la gente, si me preguntan algo. Pero realmente no quiero entrar en detalles como el equipamiento o cosas técnicas. Si enseñaría, sería puramente filosófico. Porque no quiero hacer a alguien bueno el uso de Traktor o lo que sea, no quiero que lo limita a eso. Quieres que idear algo nuevo y tal vez haga aprender algo.

Tengo dos hijos y me preguntan todo el tiempo. Están totalmente interesados en la música. Son seis y ocho y sólo me están pidiendo más y más detalles. ¿Qué software utilizar? ¿Cómo obtuve este sonido?"

¿10. Sven Väth: relativamente nuevos que los músicos han estado oyendo o disfrutando recientemente?

"Hay tantos! Supongo que la mayoría son de género dubstep, son cosas que encuentro en [la descarga y tienda de discos, ed]. Juno. Hay en realidad una cosa que es bastante grande: es un chico llamado Sd Laika. Generelly, creo, yo escucho cosas viejas más que a cosas nuevas. En el momento de que escuchar un montón de principios de los 90 Techno, estoy bastante obsesionado con ella. Me gusta mucho, porque es tan cruda y básica no es tan complicado o detallado como mis propias pistas. La mayoría de los primeros temas techno tiene sólo tres cosas en ellos".

11. DJ Koze: ¿te sientes curiosidad por saber cómo reaccionará la gente en su nuevo álbum Syro, como lo ha sido tanto tiempo desde la última versión? ¿Está nerviosa a causa de esto?

"En cierto modo, sí, pero yo creo que conozco mis cosas tan bien. Estoy realmente objetiva, así que realmente no se podría decir nada que no hubiera pensado. Si haces algo creativo, tienes que ser tu peor crítico si quieres ser bueno o para tener éxito. Tienes que decirte a ti mismo que eres basura en orden a mejorar! Es lo único que puede hacerme daño, si alguien me critica, es cierto y no he pensado en eso antes. He seleccionado las pistas del álbum y lo hizo bastante accesible. Es uno de mis álbumes pop, así que sé de qué tipo de reacción se pondrá."

Corriente: Aphex Twin – minipops 67 [120.2] [fuente campo Mix]

¿12. James Holden: apesta ser tú?

"No, estoy muy feliz con quien soy."

13. Nicolas Jaar: ¿ha tenido alguna vez un fantasma, un espíritu o un accidente hablar directamente con usted a través de hacer música o haciendo música?

"Sí, siempre me sentí una presencia o algo así, no sé lo que es, tal vez es sólo una condición humana, pero siempre se siente como si los dioses nos están viendo y son como: ' Ah, vamos hacer esto '. Y es muy raro, porque el otro día colocada y fui a la cama, y tenía la más intensa sensación de alguien cuidando de mí."

14. Miss Kittin: ¿Crees que aún tiene muy poca capacidad de atención.

"Cuando estoy haciendo mis cosas, tengo muy buena concentración. Pero cuando es alguien me dice algo que hacer, es terrible. Entonces tengo que concentrarme. Creo que estoy un poco hiperactivo".

15. Henrik Schwarz: sigues usando el Yamaha Disklavier?

"Sí, en realidad en Drukqs sólo solté los simples. Porque cuando lo compré, no quería poner las cosas en él, prepararlo. He hecho cosas algorítmico también con él. Así solía parches [por ello] jugar sí mismo. En realidad es muy buena para eso. Acabo de comprar otro – la Marca 5 Pro. Eso es lo mejor que puedas. Lo usé para la última canción en el álbum ['Aisatsana', ed.]. Programar el piano ahora en lugar de jugarlo. También he estado haciendo como jungla en él. "

Corriente: Aphex Twin – Aisatsana

16. Mathew Jonson: jugando con la Yamaha GX-1, me topé con ciertas cosas – especialmente en la sección de ritmo y bajo – que me recordó algunas de sus pistas. ¿Ha utilizado en algunas pistas y cuál es su experiencia con el órgano?

"Sí – incluso hay una canción llamada ' GX1′ – y tiene un gran ritmo y bajos. Pero se lo di a un tipo que hace este increíble secuenciador Cirklon. Es un tipo escocés y es una especie de genio. Me lo dio y le pidió que clonarlo para mí. Eso ha sido hace tres años, pero se está acercando".

Corriente: el Tuss – Solo GX1

17. Cuento de nosotros: somos grandes fans de su canción "IZ-US" [de la EP "Ven a papá", ed.]. ¿Cuyo rostro"grande" se menciona al principio de la pista?

"Esa es mi cara. Es mi sobrino hablar conmigo. Estuvo cerca de cuatro años o algo así en el tiempo. Fui siguiéndolo y tratando de obtener muestras y no me dijo nada. Así que empecé a hacer todas las caras de este estúpido y eso es lo que dijo. Él está ahora alrededor de 20 y sabe sobre la pista".

¿18. Fritz Kalkbrenner: ponen el nuevo álbum por dinero?

"No. Lo hago para trazar una línea, para cerrar un capítulo. Cuando terminas un álbum, es como dibujar una línea que puede continuar con las cosas nuevas. Parece que he llegado a un punto en mi vida. Ahora probablemente puedo concentrarme en cosas nuevas. La música del álbum es de un largo período, algunas de las pistas ya son seis años de edad".

19. Gernot Bronsert (moderado): ¿Quién es "Rubber Johnny"?

Chris Cunningham – que hizo el video – debe responder a esa pregunta. Pero es él quien está jugando al tipo en la silla de ruedas. Me gustaría volver a trabajar con él, pero ahora vive en Los Angeles. He hablado con él varias veces, así que podría haber algo. Me acuerdo de él diciéndome que hace una película de zombis y luego decidió no liberarlo, causa hubo otra película zombie saliendo. Creo que es demasiado sensible".

Video: Aphex Twin – Rubber Johnny

20. Marcel Dettmann: ¿Cuál es el estado actual de Rephlex y son todavía involucrado con la etiqueta?

"Ha terminado, ahora, está cerrada hace unos meses. Así también ha sido otro capítulo. Eso es algo que debía hacerse hace mucho tiempo. Yo y mi amigo hubiera distanciado, pero en realidad la etiqueta mantenernos juntos. Llegó un punto donde quisiera realmente prefiero ser su amigo que en negocios con él. Así que prefiero jugar esos registros de Chicago y se drogan y no hablar de negocios."

¿21. Joe Goddard (Hot Chip): es la historia de ti contratación Capitán Birdseye (alias capitán Iglo) para una fiesta de barco y dando cierto ácido?

"No, pero yo quiero hacer esto! Es una de muchas ideas deshechos."

¿22. Kristian Beyer (Âme): cualquiera de estas canciones en el reproductor de MP3 que perdiste alguna vez hizo resurgir en internet?

"No, gracias a Dios no! Pero la historia es totalmente cierto, lo dejé en el avión. Creo que hubo 80 Squarepusher inéditos en él también. Me sentí muy mal por esto".

23. radio Slave: si fueron comisariado en una fiesta o festival, ¿cuál sería tu línea sueño de artistas?

"¡ No sé! Pero tengo este fatansy musical, donde me gustaría rebobinar y siga las bandas y los productores de atrás en el tiempo cuando hicieron una grabación especial. Para ver cómo se hizo 'Strings Of Life' o cómo armar Kraftwerk parte de su música. Lo que hicieron en sus vidas previas a esta grabación..."

24. Darshan Jesrani (Metro Area): ¿ha habido algún graciosos ejemplos de personas morder su estilo?

"Al principio fue muy difícil aceptar esto – puede conseguir una obsesión. Pero ahora está bien. Creo que Bochum Welt es alguien que lo hizo bien. Está produciendo algunas cosas bastante como Obras ambientales, pero su propio tipo de sonido también. Algunos de los que son un poco como: 'Sí, yo podría poner mi nombre en un par de esos, tal vez.' Coldplay fue la más extraña, donde pensé que me parece. Ellos probablemente no han ni siquiera me escuchaba. Tienen probablemente sólo había escuchado a alguien que me ha escuchado. También algunos de la banda sonora del juego Minecraft . Mis hijos estaban jugando y pensé que suena muy parecida a la mía. Y luego este tipo 'Muesca' [Markus Persson, ed.], quien hizo ese juego comprado uno de mis discos en eBay por 40,000 dólares. Mis hijos les encantó. Dijeron que todos sus amigos en la escuela. Estuvo muy bien".

25. Luciano: ¿Cuáles son sus pensamientos sobre la explosión de "EDM" en todo el mundo, pero especialmente en los Estados Unidos, y todos esos enormes luz LED muestra con sólo un tipo de presentación en un escenario?

"Está bien. En realidad no me importa lo que la gente está haciendo. Me preocupo por lo que en realidad están tocando. No parece estar relacionado con algo que estoy haciendo. Este tipo Skrillex, sólo he oído sobre sus huellas, porque mis hijos jugaban los. Parece que tiene una buena comprensión de la tecnología. Creo que es bastante amapola, ¿no? Es también amapola para mí".

Pregunta extra – Skrillex: ¿todavía tienes tu tanque y si es así, ¿puedo ir visitar a usted, probarlo y conducirlo?

"Él puede venir, sí! Está todavía en casa de mi hermana en Gales. Todavía funciona! Increíble tecnología antigua, cuando las cosas fueron diseñadas y duraron para siempre. Así es 50 a 60 años de edad y suena jodidamente increíble."

Fuente: http://www.microsofttranslator.com/bv.aspx?ref=IE8Activity&from=&to=es&a=http%3a%2f%2fwww.groove.de%2f2014%2f12%2f25%2f25-questions-for-aphex-twin%2f

Un Casco Hace Música Con Tus Ondas Cerebrales

La artista londinense Aiste Noreikaite se ha inspirado en prácticas de meditación budista para crear un casco que permite hacer música con las ondas cerebrales. El casco utiliza la electroencefalografía (grabación de la actividad eléctrica del cerebro) para traducir los procesos neuronales en sonido, todo ello a tiempo real, creando un "reflejo sonoro de la experiencia personal en un momento determinado".

"He programado las frequencias sonoras con una pequeña diferencia de izquierda a derecha, para que de este modo, al ser escuchadas simultaneamente, produzcan una tercera frecuencia que pueda ser escuchada dentro de nuestras cabezas. El usuario escucha el sonido generado por sus propias ondas cerebrales. Las ondas cerebrales se reconocen en ese sonido y reaccionan de manera positiva, entonces esto es loopeado de nuevo una y otra vez".

El sonido producido por el casco es más agudo cuanto más claro sea el estado mental del usuario. Por el contrario será más rápido y rítmico cuanto más centrada esté la mente en un tema en particular. De acuerdo a Noreikaite puede que el casco tenga algún beneficio para la salud del usuario. Muchos de los que lo han probado afirman sentirse mejor tras su uso.

Debajo tienes un vídeo en el que se ve al público probando el invento durante su exhibición en la galería del Hotel Elephant de Londres.

Fuente: http://www.clubbingspain.com/noticias/2015/un-casco-hace-musica-con-tus-ondas-cerebrales.html

Si Vendes Tu Música Online Tendrás Que Cobrar el IVA

La publicación inglesa FACT Mag ha puesto el dedo en la llaga en uno de los temas que será trending topic estos días. El de los nuevos impuestos que amenazan de nuevo al negocio de la música. Y en este caso parece que afectará en mayor medida a los productores y sellos con internet como única tienda. Y es que a partir de este enero se preveen tiempos algo más duros para aquellos que vendan su música a través de plataformas digitales. La Unión Europea ha movido ficha y en cuanto empiece el año se harán efectivos los cambios en su legislación que obligarán a cualquier persona que venda descargas de música, aunque sea desde su propio sitio, a pagar sus correspondientes impuestos.

Es decir, que desde el 1 de enero de 2015, todas las ventas de descargas digitales que se cierren en la Unión Europea estarán sujetas a IVA. Además de aplicarse a vídeos y libros electrónicos, a los vendedores que más les va afectar esta medida serán los músicos y sellos pequeños que ofrecen su música en red, particularmente la  comunidad de artistas en la red Bandcamp que sigue creciendo exponencialmente desde su fundación.

El mismo artículo avisa que la medida puede pillar desprevenido a algún artista desinformado: "El cargo del IVA se determina por el país en el que se encuentre el cliente, no en donde tenga su residencia el vendedor de turno. Esto significa que necesita estar registrado legalmente para reflejar ese IVA, sin importar cuánto estés ganando en descargas, incluso si estás vendiendo música directamente desde su sitio web. Parecería que la norma está destinada a reprimir a los pesos pesados que esquivan impuestos como Amazon, pero es probable que provoque también unos efectos adversos en miles de vendedores de poca monta". Puedes recuperar el texto más abajo en Enlaces.

Web Oficial: FACT

Fuente: http://www.clubbingspain.com/noticias/2014/si-vendes-tu-musica-online-tendras-que-cobrar-el-iva.html

La Historia Empezó En Valencia. LA RUTA. Tomo 1.

Muchos de nosotros nacimos en los 80, algunos de los que nos leen y frecuentan nuestros eventos se dividen entre los 80 y los 90. Probablemente pocos de los que a día de hoy seguimos en activo, viviésemos la época de La Ruta, pero nunca está de más conocer nuestro pasado para entender el presente. A partir de hoy y durante algunos episodios, vamos a echar la vista atrás para compartir aquello que hemos leído y oído por parte de nuestros mayores, o aquello que nos hemos encontrado por la red de redes sobre la ruta.
La llamada Ruta Destroy o Ruta del Bakalao, como se le conoció más mediáticamente fue heredera directa de la movida valenciana y consistió en el mayor movimiento clubbing de España, hecho por y para españoles fundamentalmente. Inició en ciertos aspectos el movimiento clubbing en el país, y tuvo consecuencias a largo plazo sobre la forma de ocio nocturno que conocemos a día de hoy.

Consistía en una forma de ocio nocturno de miles de jóvenes españoles entre las discotecas del área metropolitana de Valencia, sobre todo en la carretera de El Saler, de entre las cuales destacaron salas como Barraca, Spook Factory, Chocolate, Espiral, NOD, Puzzle, y ACTV, cada fin de semana, y sin apenas descanso, durante los años 80 y la primera mitad de los 90.
PRINCIPALES CAUSAS
La Ruta Destroy se enmarca en el contexto de un país recién salido de una transición democrática tras la represión de la época franquista, que en otros ámbitos de la cultura tuvo consecuencias como el cine del destape. La población tenía más ganas de fiesta que otra cosa y los ingredientes necesarios para una revolución de diversión sin límites ni tabúes estaban en la mesa, listos para hacer un cocktail explosivo.
La legislación española, en todo lo tocante al ocio nocturno, era aún muy inmadura debido al legado del franquismo, y estaba llena de vacíos legales, que fueron aprovechados por los empresarios de estas discotecas. A esto se unió la menor preocupación e información sobre las drogas que había en España. El resultado: pura jauja! La juventud luciendo sus chupas y pantalones de cuero, en sus Vespinos, sus Opel Kadet, Ford Fiesta… menos mal que hay documentos gráficos que lo atestiguan, y que no guardaremos para nosotros.

ORIGEN
La semilla de la Ruta Destroy se sembró a caballo entre finales de los 70 y primeros 80, dentro de lo que fue la particular «movida valenciana», movimiento con mucha menos repercusión mediática que la movida madrileña muchos afirman que tuvo tanta o mayor importancia real que ésta por la infinidad de grupos autóctonos que aparecieron y la vitalidad cultural que aportaron a la ciudad de Valencia.
La movida valenciana actuó como potente catalizador para que una ingente cantidad de grupos extranjeros, principalmente e inicialmente británicos, dados a conocer en toda España a través de Valencia, desde donde dieron su primer paso en la península para después dar el salto al resto del país.

También acabó derivando en el culto a las discotecas, introduciendo en España una música de baile basada en sonidos de importación que asiduamente traían los disc-jockeys, valencianos o no, desde Londres, Manchester, y otras ciudades europeas. Esto derivó en la posteriormente llamada Ruta Destroy. El término movida valenciana, de hecho, se ha extendido hasta incluir a la movida discotequera de la Ruta Destroy.

A finales de los 70, en plena transición española y durante la era Post-Punk y New Romantic (la llamada era new wave), la ciudad de Valencia empezó a florecer, no sólo musicalmente sino también culturalmente. Empezaron a aparecer grupos musicales autóctonos con una marcada tendencia vanguardista, y de una manera menos mediática que en Madrid.
Se dice que mientras en Madrid, los iniciadores del movimiento fueron Kaka de Luxe y Burning, en Valencia lo fueron, en 1979, La Banda de Gaal y seguidamente La Morgue. Grupos como Seguridad Social, Video, Glamour, Comité Cisne, Betty Troupe, In Fraganti, La Morgue o Interterror lideraban una legión de artistas valencianos que apostaban por los nuevos sonidos llegados directamente del Reino Unido o Alemania, y empezaban a poner de moda la imagen del post-modernismo de principios de los 80, con looks elegantes, sofisticados y estridentes, heredados y evolucionados de la era punk. En esa época, un local sobresalió entre todos por su amalgama cultural, Pyjamarama, pero hubo otros, como Bowie, Gasolinera, Tropical (que años más tarde se conocería como ACTV), Video, Estandarte o Planta Baja.

Asimismo, debido a esta apertura en Valencia a sonidos no tan convencionales, muchos grupos extranjeros se introducían en España a través de Valencia, como el caso de Soft Cell. La gente empezó a interesarse cada vez más por estos sonidos de synth-pop/rock/pop/gótico, etc, en su mayoría procedentes de las islas británicas, en una época con gran influencia de la canción ligera y de cantautor.
En aquel momento, sin embargo, aún no había ninguna discoteca que realmente pinchase esa clase de sonidos. Dichos sonidos no iban ligados a la música de baile, que aún estaba basada casi exclusivamente en música negra (funk, los inicios del house, entre otras) y sonidos disco europeos como el italo-disco, y por ello, aún no se entendían como tal, por lo cual aún estaban relegados a las salas de conciertos y los bares de copas. Seguían existiendo exclusivamente las boîtes y salas de fiesta setenteras, tapizadas y llenas de espejos.

Fue a raíz de abrirse una sala llamada Oggi, auspiciada por el principal precursor y gurú de la movida discotequera, Juan Santamaría, cuando esos sonidos, y toda clase de rarezas electrónicas y guitarreras, eran pinchados para un público aún muy selecto y con grandes inquietudes musicales y culturales. La sala no tardó en decaer por una serie de problemas, algunos de ellos relacionados con la heroína.
Más adelante, la misma gente responsable del Oggi se trasladó a la sala Metrópolis, en un intento de agrupar a todas las tribus urbanas de Valencia (rockers, mods seguidores del garaje rock o del ska y otros sonidos con marcada influencia sesentera, nuevos románticos, punks, góticos, etc), tribus que por aquel entonces y durante todos los 80 fueron muy prolíficas. Esto no estuvo exento de problemas, ya que muchas de estas tribus urbanas rivalizaban entre sí, como los rockers y mods. Hasta que la fiesta se trasladó a una sala llamada Barraca, en Les Palmeres (Sueca).
EVOLUCION Y ETAPA DORADA (1982-1990)
BARRACA

La discoteca Barraca, ya veterana por aquel entonces, ya había destacado en los últimos años 70 por querer diferenciarse de alguna forma del resto de salas estilo fiebre del sábado noche. Alrededor de 1980, Juan Santamaría recaló en esta sala para imprimirle su particular estilo tan ecléctico.
En 1982 le sustituyó en cabina, Carlos Simó, disc-jockey muy influenciado por Santamaría, e imprimiéndole al estilo musical de la sala un énfasis aún mayor en la llamada “música blanca”, o música de raíces blancas. Por lo tanto, a partir de entonces, aunque el eclecticismo era la nota dominante en las sesiones de Barraca, prácticamente desaparecieron otros sonidos como el blues, rhythm & blues o el jazz que también tenían cabida con anterioridad junto con el habitual rock, pop y los sonidos de vanguardia, escuchándose «música blanca» que incluía a formaciones tan dispares como unos aún desconocidos para el gran público, y todavía alternativos Depeche Mode, U2 y The Cure.
También gente como los influyentes The Smiths,Joy Division, herederos directos del punk como The Stranglers, The Clash (después Big Audio Dynamite), Sigue Sigue Sputnik, Generation X y su integrante Billy Idol, Public Image Limited (PIL) y su integrante Jah Wobble, o los B-52; grupos de synthwave como A Flock of Seagulls, Visage o Ultravox, de pop-rock como Immaculate Fools, Psychedelic Furs, The Fountainhead, B-Movie, Simple Minds, The Pretenders, A Popular History Of Signs, e incluso bandas australianas de garaje (garaje rock) como The Fall, Screaming Tribesmen, Hoodoo Gurus, Lime Spiders o grupos de rockabilly como los Stray Cats, y tantos y tantos otros, en lo que fue un excelente combinado musical de música eminentemente indie de primera mitad de los 80 y finales de los 70, sin el ritmo pegadizo de la música negra, pero con más frescura que esta.
La magia que irradiaba esta sala se contagió a todos los noctámbulos y tribus urbanas que la frecuentaban, reinando el buen ambiente y el espíritu cordial.

La empatía entre la gente hizo que el ambiente que se respiraba fuera único, a diferencia de las salas convencionales, donde el factor sexual era el dominante, por encima del musical y el de la diversión por puro placer, también llamado hedonismo, y acarreaba problemas entre clientes.
Un hecho destacable en Barraca fue la importancia del plano teatral dentro de las mismas sesiones, aparte de los conciertos que también se daban en la sala. Y es que en esta etapa, las performances y actuaciones teatrales de todo tipo eran un hecho habitual, hecho por el cual la sala pasó a ser un lugar de reunión de artistas y gente de mentalidad inquieta que creaba una cultura alternativa y diferente.

Esto propició la atracción hacia esta sala de muchos personajes destacados en el panorama cultural, musical y social de la época en España, y debido también a su talante excepcionalmente tolerante para aquellos años, que atraía a la gente que huía de la vulgaridad que se respiraba en la mayoría de salas convencionales, y a su ambiente colorista, kitsch y estrambótico, donde incluso el maquillaje estaba bien visto en los varones heterosexuales, dado que el movimiento neo-romántico tuvo mucha influencia en Valencia, fue lo que la diferenció del resto.
No en vano, se dice que era todo un espectáculo ver cómo vestía la gente habitual de Barraca, ya que por entonces muchos consideraban un ritual el hecho de vestirse para la fiesta. Además, Barraca fue una de las primeras salas españolas donde hicieron aparición las drag-queens, como la famosa Faraona. Otros aspectos a destacar de esta sala fueron su pista giratoria, su piscina, donde la gente se bañaba de forma desinhibida, los caballos de tío-vivo, que se convirtieron en marca de la casa, y su terraza.
Sus principales sesiones fueron las de sábado noche y domingo tarde-noche. Fue tanta la importancia de Barraca en el amanecer de esta época, que al «sonido Valencia» se le denominaba por los propios valencianos, alrededor del año 86, como «música barraquera».
Tras estas lineas encontraréis un documental realizado por Canal+ en 1993, que detalla perfectamente las aventuras del ocio nocturno en la época. En próximas ediciones seguiremos descubriendo más secretos de la sonada Ruta del Bakalao.Y a continuación una sesión de hora y media con los sonidos propios de la época!

Fuente: http://thebasementxxx.com/webapp/la-ruta-del-bakalao-1/