Las 5 Formas De Descubrir Nueva Música

El concepto de music discovery, se ha hecho prominente en la era digital. En el pasado, los nuevos artistas eran descubiertos básicamente porque eran lanzados por alguna discográfica importante, y entonces éstos pasaban a dominar el mercado musical. En la época actual, en la que cada vez aparecen nuevos artistas gracias a las nuevas tecnologías, que permiten a más personas crear contenidos desde sus casas y darlo a conocer a través de las redes sociales, la oferta de nueva música y nuevos artistas por conocer se multiplica de manera exponencial.
Para los fans ávidos de música, como el equipo de esta web y nuestros lectores, quizás descubrir nueva música no sea un problema, sin embargo el interés de la industria en desarrollar apps, algoritmos y alertas para el descubrimiento de música se enfoca en el público en general, aquel que quizás no está pendiente de lo que pasa en la industria pero que quizás estaría dispuesto a pagar por una herramienta que le permita conocer nueva música sin mucho esfuerzo. Por ello te invitamos a compartir este artículo con 5 de tus amigos que normalmente no leen IndustriaMusical.es  
Existen básicamente 5 áreas principales de tecnología en el descubrimiento de música y todas están ligadas de una forma u otra a dispositivos móviles: los amigos, la multitud, curadores, los algoritmos y la casualidad. Acá un desglose de cómo funcionan, y algunas de las formas en que están siendo utilizadas:
La música de tus amigos:
Los servicios de streaming, como Spotify o Deezer pueden integrarse automáticamente con Facebook para compartir lo que escucha el usuario en el home feed de sus amigos y en el ticker. Esta característica le puede parecer un poco spam a algunas personas, sin embargo es fácilmente configurable ocultarla si no se desea ver constantemente. Asimismo, Spotify incluye una serie de recomendaciones basadas en lo que varios de tus amigos han estado escuchando recientemente. Existen también aplicaciones independientes como Soundwave Music Discovery que reúne en un solo sitio lo que tus amigos están escuchando desde varias plataformas de streaming, e incluye charts, listas de reproducción y un sistema de comentarios.
La música de la multitud
La idea de usar lo que otras personas escuchan como base para recomendaciones no es nueva en absoluto: los charts han estado en el corazón de la industria de la música grabada durante décadas. Los servicios de streaming hacen algo similar: La sección de navegación de Spotify inlcuye charts de las canciones más populares y “virales” en cada país. Los charts de Deezer abracan tracks, álbums, artsitas y playlists, y pueden separarse por género. Las listas de iTunes son una fuente de recomendación por excelencia para las descargas, y una vez que en el Reino Unido se incorpore data de streaming para construir los charts, por fin se reflejará lo que realmente la gente está escuchando, en lugar de qué está comprando.
Curadores de Música
Básicamente, alguien que sabe mucho de música (periodistas, DJs, y otros personajes públicos relacionados con la industria) crea listas o recomienda música a otras personas que quizás no sepan tanto como él. En el pasado éstos se reducían prácticamente a los Djs de radios que decidían qué colocar en sus shows, ahora con los servicios de streaming, en los que hay millones y millones de canciones disponibles para escuchar, se hace difícil decidir qué escuchar, y la figura de un curador se hace muy valiosa. Beats Music, por ejemplo, ha hecho alarde de sus listas de reproducción curadas por un equipo editorial proveniente del mundo del periodismo musical.  La lista de Sean Parker en Spotify tiene más de 800.000 seguidores, y se le adjudica un importante rol en el ascenso al estrellato de Lorde. Deezer cuenta con “Editores” de contenido, los cuales elaboran listas de acuerdo a sus propios gustos, y que son recomendadas al usuario en función de lo que han estado escuchando.
Algoritmos
Son un cálculo matemático que se basa en el análisis de los gustos del usuario, para hacerle recomendaciones de otros artistas. Esta forma de recomendación no agrada a la mayoría de usuarios, quienes podrían pensar que las computadoras jamás podrán sustituir a un humano en el proceso de descubrimiento y posterior recomendación de música. Sin embargo, los algoritmos no son nuestros enemigos y siempre están tratando de mejorar. Su utilización potencia los servicios de radio personal como Pandora y iTunes Radio, mientras que Rdio tiene un estación de radio que basa su algoritmo en la historia musical del usuario. Los algoritmos simplemente vienen a complementar y no a sustituir las recomendaciones hechas por los usuarios.
Por casualidad
Algunas veces hemos descubierto nuestro nuevo artista favorito a verle tocar como telonero para otro artista al cual pagamos por ir a ver, o porque asistimos a un festival y le hemos visto tocar sin proponérnoslo. Aunque no pareciera un escenario para la innovación digital, existen apps que pretenden ayudar a descubrir música en directo como Applauze o YPlan, que muestran recomendaciones de directos cercanos a la ubicación del usuario que le gustaría ir a un concierto pero no está muy seguro de quien.

Fuente: http://industriamusical.es/las-5-formas-de-descubrir-nueva-musica/

Este Fue El Debut De Kraftwerk En Television

Muchas melenas y pocos disfraces

Poco después de juntarse como formación, la banda alemana Kraftwerk actuaba en el festival Rockpalast de 1970, acabamos de tener acceso a los 40 minutos de actuación del grupo, semillas psicodélicas que darían fruto en una de las bandas más influyentes de la historia de la música.

El canal del festival Rockpalast grabó una actuación en la ciudad alemana de Colonia de cuatro melenudos con ganas de psicodelia y post-punk. Muchos aplausos, mucha gente tapándose los oídos, algunos pitidos estridentes, hiperactividad con el culo en el suelo y algo de sin sentido.

Estas fueron las primeras manifestaciones del cuarteto que escribió las bases de la electrónica moderna, poco se veía de las posteriores vestimentas de Kraftwer.
En el video aparecen Ralf Hütter y Florian Schneider y el baterista Klaus Dinger, un año después se sumaría Michael Rother.



Tracklist:
0. Intro
1. Stratovarius
2. Ruckzuck
3. Heavy Metal Kids
4. Improvisation 1

Fuente: http://www.undermagazine.es/debut-kraftwerk-television-1970/

Un Tatuaje como Instrumento Musical

::vtol:: es un proyecto ruso fundado por Dmitri Morozov en el 2007. Su principal objetivo es hacer música experimental con diversos objetos. Un paraguas, un televisor e incluso crea un sintetizador utilizando palillos de dientes.

En este caso, el músico se ha tatuado una partitura que va de acuerdo con una máquina personalizada para ello. ¿Cómo funciona? El aparato tiene un detector óptico y dispositivo que funciona con wifi para poder reproducir el sonido en el ordenador.

Si ayer os enseñábamos el vinilo del terror, hoy tenéis la partitura tatuada y un cacharro que molan un montón pero que suena como si estuviéramos contactando con el más allá o con vida extraterrestre.

http://vimeo.com/89277526

Fuente: http://www.viciousmagazine.com/tatuaje-como-instrumento/

7 Mujeres Que Cambiaron La Musica Electronica

En un esquema patriarcal, los reflectores de la historia siempre están sobre los hombres y sus logros. Se han abierto importantes brechas en la historia social y política para mostrar la verdadera importancia del papel de la mujer, pero hay muchas otras historias, cómo la de la música, en que su papel aún no ha sido del todo reivindicado. La historia de estas 7 mujeres muestra que a pesar de los prejuicios el talento se impone y que hoy estaríamos frente a un paisaje musical muy distinto, seguramente más aburrido, si no fuera por sus invaluables aportes.

He aquí las historias recopiladas por Sarah Statham para Champion Up North:

1) DELIA DERBYSHIRE

Empezamos por rendir tributo a la “escultora del sonido”, Delia Derbyshire. La mujer detrás del wobbulator un día se acercó a los Decca Recording Studios de Londres, sólo para que le dijeran sin más que no empleaban mujeres. A pesar de que varias compañías la rechazaron, continuó persiguiendo su pasión y en 1960 logró materializar una oportunidad de trabajar como asistente en un estudio de la BBC.

Desmond Briscoe, ejecutivo del estudio, pronto se dio cuenta de que la alta, callada y pelirroja Delia no sólo era entusiasta, sino enormemente creativa y talentosa. Entonces Briscoe la invitó a unirse a su taller experimental Radiophonic en 1962, del que ella formó parte durante 10 años.

Una de sus primeras tareas fue realizar una de los primeros temas electrónicos utilizados alguna vez en televisión: la música de Ron Grainer (que quiso compartir créditos con Delia por sus efectos, pero las políticas de la empresa no se lo permitieron) para la nueva serie de ciencia ficción, Dr. Who. Delia, y su ingeniero, Dick Mills, habían creado cada sonido desde la nada; no tenían referencias anteriores y por lo mismo Delia no tenía idea de qué tan influyente se volvería su trabajo para el Radiophonic Workshop en el futuro.

Aquí puedes ver el minidocumental “La escultora del sonido”:

2) SUZANNE CIANI

Pianista experta, Suzanne compuso partituras de jingles para anuncios de distintas marcas, como Coca-Cola y General Electric, usando un Buchla Analog Modular Synthesiser (el cual compró con dinero ganado en su trabajo en la fábrica de Buchla). Aunque es mejor apreciada por su música original y sus paisajes sonoros, su especialidad fue la reproducción de efectos de sonido en su sintetizador que, antes de ella, habían causado muchos problemas a los ingenieros que querían grabarlos.

El sonido de una botella de Coca al ser destapada y servida, utilizado en radio y televisión a finales de los ’70, es uno de sus trabajos más reconocidos. Pronto sus efectos de sonido se volvieron altamente demandados. Su voz aparece en el juego de pinball “Xenon” y, en 1977, Ciani creó los efectos especiales para el disco de platino de Meco con la versión disco del soundtrack de Star Wars.   

A principios de los ’80, Ciani empezó a grabar trabajos New Age que conjuntaban sonidos electrónicos con instrumentos tradicionales, y más tarde fundó su propio sello discográfico llamado Synthetic Wave.

Mira a Suzane Ciani trabajar para el juego de Xenon (manipulando su voz y creando sonidos electrónicos):

3) DAPHNE ORAM

Aunque a Daphne Oram le ofrecieron un lugar en el Royal College of Music, ella prefirió tomar un trabajo como asistente de ingeniería de audio para un estudio de la BBC. Allí empezó a experimentar con cintas magnéticas y a explorar las posibilidades de los sonidos sintéticos. Después de un viaje a los RTF studios en los años cincuenta, Oram inició una campaña para que la BBC tuviera instalaciones de música electrónica para utilizar en sus programas. Esto la llevó a desarrollar el famoso Radiophonic Workshop. Un año más tarde abrió los “Oramics Studios for Electronic Composition” en un edificio que fue alguna vez utilizado para secar avena cerca de Kent.

En febrero de 1962, Daphne ganó una gran subvención para apoyar el desarrollo de su máquina Oramics. Haciendo uso de una nueva técnica —mejor descrita como “sonido dibujado”— este dispositivo permitía al compositor dibujar un alfabeto de símbolos en película de 8 mm y meterlos en la máquina para producir sonidos. Parecido a la manera en que ahora dibujamos beats y manipulamos sonidos con software, éste fue el amanecer de un acercamiento visual a la creación de la música electrónica.

Aquí hay una versión virtual de la máquina expuesta en el Museo de Ciencia de Londres. Puedes ver cómo el usuario cambia el pitch, el reverb, el vibrato y la velocidad con su dedo: 

4) ELIANE RADIGUE

Creados en París, los trabajos más valiosos de Eliane Radigue (producto de un sintetizador ARP, un micrófono y cintas magnéticas en loop) fueron elogiados a través de su carrera por su pureza y su contribución al reino de los trabajos sonoros. Llamados “de una verdadera originalidad”, sus paisajes sonoros comunican movimiento, cualidades espirituales, además de tener el poder de transportarte hasta lo más profundo del corazón de cada sonido.

Después de trabajar en varias universidades y estudios de música electrónica, Radigue viajó al Tibet en 1975 para explorar el budismo. En tanto que este movimiento interrumpió temporalmente su desarrollo creativo, en sus trabajos posteriores se puede escuchar el efecto del tiempo pasado en tal paz y quietud, a través del control y la disciplina utilizadas por los largos y meditativos zumbidos que ha utilizado desde entonces.

Pionera y visionaria musical desde que empezó a producir sus evocadores sonidos electrónicos en los sesenta, Eliane Radigue ha creado un singular, poderoso y único trabajo.

5) CLARA ROCKMORE

Virtuosa del Theremin y gran innovadora, Clara Rockmore destacó desde niña cuando tomaba lecciones de violín. Viajó a Rusia para asistir al prestigioso Conservatorio Imperial de San Petersburgo con tan sólo 5 años de edad (hasta hoy sigue siendo la estudiante más joven en lograr entrar a esta institución).

En su adultez, sin embargo, Clara tuvo que abandonar su instrumento, pues había desarrollado dificultades crónicas en los huesos debidas a problemas de malnutrición cuando era niña. Contemplativa acerca de su futuro creativo, se inclinó hacia el uso del Theremin, un instrumento nuevo, con un sonido similar al del violín y que describió como “el salvador de su cordura musical”.

Notando las limitantes del diseño original del Theremin, Rockmore ayudó a desarrollar el instrumento para ajustarlo a sus necesidades. Sugirió varias mejoras al inventor del instrumento, Léon Theremin —una antena de volumen más rápida, un rango musical más amplio y controles de tono— las cuales fueron incorporadas en versiones posteriores del instrumento.

Aquí puedes ver y escuchar las habilidades de Clara en su Theremin modificado: 

6) PAULINE OLIVEROS

Aunque escribió sus primeras piezas utilizando notación tradicional, Pauline Oliveros rápidamente empezó a explorar con técnicas electrónicas. Influenciada por sus estudios en culturas nativo-americanas y religiones orientales, sus composiciones incluyen prácticas ritualistas y meditativas mientras explora ideas cada vez más profundas y existenciales.

Oliveros fue una figura central en el desarrollo de la electronic art music, y fue miembro fundador del San Francisco Tape Music Center. Ha escrito libros, imaginado nuevas teorías musicales y examinado nuevas formas de enfocarse en la música. La más famosa de todas es su noción de “conciencia sónica”  y “escucha profunda”. Oliveros acuñó el término de “escucha profunda para describir la disciplina de interpretar y grabar en espacios atmosféricos y resonantes como catedrales, cuevas y grutas.

Aquí puedes escuchar uno de sus trabajos titulado “Bye Bye Butterfly”:

7) LAURIE ANDERSON

En 1977, Laurie Anderson creó un violín con cinta magnética en el arco (en lugar de la tradicional crin de caballo) y una tape head en el puente. Aunque más tarde se deshizo de la cinta magnética y usó el contacto con el arco para disparar las secuencias de audio, la inventividad de Anderson, al igual que un filtro vocal que da gran profundidad a su voz, es un motivo recurrente en su trabajo.

Junto con sus filtros vocales, Anderson tenía su ‘talking stick’, un largo controlador MIDI con forma de bastón diseñado para reproducir sonidos. Así lo describe ella:

“[El Talking Stick es] un instrumento inalámbrico que puede accesar y replicar cualquier sonido. Funciona bajo el principio de síntesis granular —la técnica de romper el sonido en pequeños segmentos, llamados granos, y entonces volver a reproducirlos de maneras diferentes. La computadora reorganiza los fragmentos de sonido en líneas continuas o en paquetes aleatorios que son vueltos a reproducir en secuencias traslapadas para crear nuevas texturas”.

La pieza, mitad cantada, mitad hablada, “O Superman (For Massenet)”, que hace uso de su Talking Stick, inesperadamente alcanzó el lugar número 2 en el ranking británico en 1981.

Fuente: http://pijamasurf.com/2014/03/7-mujeres-visionarias-sin-las-que-la-musica-electronica-no-seria-lo-mismo/

Un Fabuloso Catálogo De Instrumentos Musicales Imaginarios

La música es invisible, llena el espacio y nos provoca innumerables emociones —muchas de las más sublimes— con esa sustancia misteriosa que es el sonido viajando entre electrones y moléculas de aire. La imaginación juega un papel importante en la música, en la forma en la que la percibimos y podemos ser conducidos por el sonido a parajes distantes, a un mundo de anhelos, o en la forma en la que algunos músicos logran encontrar la música, como una matemática, en la misma naturaleza, un lenguaje oculto detrás de la realidad aparente. La imaginación es el más poderoso y refinado órgano de percepción, bisagra entre el mundo terrenal y el mundo celestial. 

En su historia el hombre ha concebido un gran número de instrumentos imaginarios, algunos como una herramienta para poder alcanzar los tonos del cielo, otros para satisfacer la veleidad y la melancolía o simplemente para complacer a alguien querido. En un proyecto que recuerda al Libro de los Seres Imaginarios, de Jorge Luis Borges, los curadores Deidre Loughridge y Thomas Patteson han creado el Museo de Instrumentos Musicales Imaginarios, para albergar digitalmente una nueva categoría de instrumentos: los fictófonos. Estas ficciones aurales existen en la mente compartida como diagramas y descripciones que sólo han producido sonidos en el éter de la imaginación.

El piano gatuno

En el Libro VI de la Musurgia Universalis de Athanasius Kircher aparece el piano de gatos, inventado por un artista para disuadir la melancolía de un príncipe. Las cuerdas del instrumento eran reemplazadas por colas de gato. Los gatos eran elegidos por sexo y edad para que con su voz pudieran cubrir las diferentes notas. La habilidad del pianista hacía que al infligir dolor a los gatos estos respondían con rápidos y agudos maullidos que luego eran llevados a un  crescendo et rinforzando, creando sonidos que podían avivar al espíritu más afligido y hasta los ratones salían de sus  recovecos a bailar.

Las primeras imágenes de este piano datan de 1600 con una supuesta mención de su uso en el Sabbath de las brujas; Kircher, en cambio, sugiere que se usaba para tratar a los enfermos mentales, en un indicio ya de musicoterapia.

Orgasmatron

Este instrumento letalmente erótico, también conocido como “la máquina  excesiva” debutó en el cómic francés Barbarella que luego fue llevado al cine en una película estelarizada por Jane Fonda. En el film, el villano Duran Duran intenta asesinar a la heroína aplicando estimulación sexual extrema con una máquina que opera con un teclado musical. Para fortuna de Barbarella, el aparato se derrite y ella emerge viva solamente derretida de fresco placer. 

Esta máquina, inspirada en el “acumulador orgónico” de Willhelm Reich, que captaba y canalizaba energía erótica en el ambiente, tendría su avatar en la película de Woody Allen, Sleeper, bajo el nombre con el cual pasaría a la posteridad, el “Orgasmatron”. 

El Libro de los Oídos

En el texto L’Autre Monde: ou les États et Empires de la Lune, publicado póstumamente, Cyrano de Bergerac describe un maravilloso libro lunar, precursor de tecnologías como el walkman o el audiolibro. Invento de una raza de habitantes de la luna que utiliza la música como su principal forma de comunicación.

Al abrir la caja, me encontré con algo metálico, casi como nuestros relojes, llenó de no sé bien qué pequeñas cuerdas e imperceptibles bujías: era un libro, en verdad; pero un extraño y maravilloso libro, que no tenía ni hojas ni letras: era un libro hecho todo para los oídos, y no los ojos.  Porque  cuando alguien intenta leerlo, le da cuerda a la máquina; y su mano entonces encuentra el capítulo que desea oír, y, como de la boca de un hombre o un instrumento musical surgen los distintos sonidos, que los Grandes Lunáticos usan para expresar sus pensamientos, en vez del lenguaje.

El Panharmonicon de Gambara

Este instrumento que contenía a toda una orquesta en su versatilidad sonora es narrado por Balzac en Gambara. Este personaje es un genio que “ha peregrinado a las puertas del paraíso” y escuchado las armonías angelicales. Gambara era capaz de producir toda una ópera de su instrumento y deleitar a sus escuchas, llevándolos lo mismo al éxtasis que a la incomprensión. Aunque capaz de producir los sonidos más puros y serenos, el instrumento tenía un aspecto inacabado, como un artefacto en proceso de construcción.

Este Panharmonicon, multiarmónico, ridículo y celestial está inspirado en un instrumento del mismo nombre inventado por Johann Nepomuk Maelzel.

El año 2440

En la novela El Año 2440, el novelista Louis Sebastian Mercier imagina a un hombre que despierta 700 años después para encontrar una sociedad utópica. Dentro del “gabinete del rey” yace un instrumento acústico capaz de reproducir sonidos que captan la esencia de cosas tan abstractas como la guerra. Los sonidos son usados de manera didática para hacer que las personas vivan de manera virtual estas experiencias, bajo la noción moral de que el sonido es más apto para causar empatía que lo meramente visual.

El espectrófono y el parlamonium

Estamos aquí lidiando con el fenómeno de distorsión del tiempo, con el cual sin duda estarán familiarizados. El hecho de que, en la luna, siempre se han tomado fotografías es poco digno de mención. El equipo técnico de la Sociedad de Investigación de la Tierra está limitado a tres unidades, las cuales pueden ser operadas tan fácilmente como una máquina para hacer café. Primero tenemos el espectrófono, a través del cual todo lo que pasa en la tierra puede ser visto y oído; el parlamonium, que pueda traducir el tedioso parloteo humano en música para los ciudadanos de la luna que han sido malacostumbrados por la armonía celeste; y un oniroscopio, con el cual los sueños de los terrícolas pueden ser observados. Esto es importante porque el interés en el psicoanálisis es prevalente en la luna.

Walter Benjamin, en su última radionovela, Lichtenberg, describió dos instrumentos imaginarios con una clara veta de ciencia ficción. Aparatos que recuerdan a las investigaciones de Nikola Tesla o a la tecnología apenas esbozada por científicos contemporáneos para traducir los sueños en imágenes.

Visiten el Museo de los Instrumentos Imaginarios para conocer instrumentos como “el cuerno supernatural”, que tocaba la nota del diablo; las casas de sonido de Sir Francis Bacon; el Direct Mind Access, que permite descargar directamente los sonidos que escuchamos en la mente, o el daguerrotipo de sonido, entre otros.

Fuente: http://m.pijamasurf.com/2014/03/top-instrumentos-musicales-imaginarios/

Katy Perry Simbologia Illuminati

Katy Perry Dark Horse simbología illuminati descarada y culto a LUCIFER la reina del cielo

Les comparto algunos símbolos de la canción dark horse de Katy Perry de quien hablamos hace unos días en el post de los Grammy del 2014 y en e post de los juegos de invierno de SOCHI 2014, o bueno.... no digamos que símbolos porque ya este video se trata de un culto descarado y abierto que poca traducción requiere, sin embargo al lado de algunos fotogramas he colocado alguna info que creo pertinente... Primero va el video y luego pueden comparar con los fotogramas, hay otros símbolos que pueden comentar si los vieron y qué opinan de la canción que extrañamente y contrario a la participación de Katy Perry en los Grammy, no contiene ningún caballo ni oscuro, ni claro ni nada... bastante raro que se la canción del caballo y no haya referencias de él.... a no ser que......se trate de otro jeroglífico de la élite.... y el caballo sea otra cosa.

Algunos me han dicho que para qué desgastarse dándole importancia a ésta gentuza satánica, pero pienso y creo conveniente compartir este tipo de cosas, ya que la mayoría anda inocente de este tipo de símbolos que son usados para mantenernos dopados, en trance con los sigilos que nos envía la élite. No es en sí darles importancia ni a la élite ni a sus títeres, ya que importante es conocer los símbolos, cuando los vemos en otra parte, sencillamente los recordamos y así su efecto pierde fuerza... el hechizo se termina.

Fuente: http://legnalenja.blogspot.com.es/2014/02/katy-perry-dark-horse-simbologia.html
  

noten la media luna que porta Katy Perry en el pecho, es la misma que luce la diosa Bastet, diosa de la fertilidad y la sexualidad, otra de las maneras metamórficas de la diosa Isis

la barca de Ra es el símbolo del ecumenismo que promueve el papa pagano Francisco... 

aquí vemos a los Djinn con su piel azulada custodiando a su diosa, madre de los demonios